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¿Sabías que Frank Sinatra sostenía que "Something", compuesta por George Harrison, era la mejor canción de amor jamás escrita? ¿Que los Beatles fueron la primera formación en avanzadilla en la conquista del mundo por parte de la música británica? ¿Que Quino, el creador de Mafalda, era un beatlemaníaco absoluto y dedicó algunas de sus mejores tiras cómicas a los cuatro de Liverpool? ¿Que el inconfundible sonido y la habilidad del grupo para ganarse al público no se forjaron en los bares y clubs de su ciudad natal, sino durante los duros años que pasaron en Hamburgo? Eso no estaba en mi libro de Los Beatles (2022) del escritor Francisco Castro Veloso arroja luz sobre los aspectos menos conocidos del grupo más conocido de todos los tiempos: su gestación, su música, sus logros, sus fracasos, pero también su época, sus influencias, las gentes que les rodearon, los lugares relevantes, los "actores secundarios" que fueron cruciales para que todo sucediese como finalmente sucedió. Hay muchos libros sobre los Beatles, pero ninguno es como este."Cuantos más años tengo, más fan de los Beatles soy". Paul McCartney." Cuando regresamos de Hamburgo, todos en Liverpool pensaban que éramos alemanes".John Lennon." A veces era duro ser un Beatle, pero cuando había problemas éramos cuatro amigos que se cuidaban los unos a los otros". George Harrison. (Fuente: Casa del Libro). 

 

Esta es una de las historias poco conocidas que se recogen en el libro

 

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En esta publicación os recomiendo, en mi opinión, la enciclopedia más completa, escrita en castellano, sobre la música rock y sus protagonistas, con biografías y discografías individualizadas por artistas, las listas de los discos más vendidos y amplios artículos genéricos sobre las tendencias musicales de los diferentes apartados de la obra.

Bajo la dirección de Juan Manuel Prado y textos de Jordi Sierra i Fabra para ediciones Orbis y publicada en 1981, "La historia de la música rock (1953-1983)" se compone de 6 volúmenes con más de 1200 páginas que recorren seis períodos fundamentales del rock:

 

 

                            Volumen 1 - El rock and roll (1954-1961)

                            Volumen 2 - El beat (1962-1966)

                            Volumen 3 - La era dorada del pop (1967-1969)

                            Volumen 4 - El rock duro y la vanguardia de los años 70 (1969-1972)

                            Volumen 5 - La gran crisis (1973-1977)

                            Volumen 6 - Nuevas tendencias (1978-1983)

 

Estos volúmenes se completaban con una collección de 100 discos (vinilos) de los mejores artistas de la época como: Bob Dylan, Jimi Hendrix, Beatles, Eric Clapton, Elvis Plesley, Lou Reed, The Who, Rolling Stones, etc.

Hay muchas páginas en internet que ofrecen la colección de libros y de discos a un precio bastante asequible. Una gran oportunidad para conseguir esta guía que es un referente para todos los que amamos la música rock.

 



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El tópico dice que unos, los Beatles, eran niños bien, burgueses y conservadores; y que los otros, los Rolling Stones, eran unos rebeldes desenfrenados con los que nadie dejaría salir a su hija. Eran los eslóganes de una imagen bien diseñada, que los londinenses adoptaron en contraposición a los de Liverpool: el pelo más largo, el sonido más sucio, la pose más insolente. En realidad, los Beatles tenían orígenes más humildes y en radicalismo político nadie ganaba a Lennon.
Eran rivales y eran muy amigos: los Beatles habían empezado antes, ayudaron a dar sus primeros pasos a los Stones —Jagger y Richards son tres años más jóvenes que Lennon y McCartney—, y les abrieron muchas puertas. Colaboraron a menudo: Lennon era el beatle más cercano a los Stones; Brian Jones fue el más beatle de los cinco stones. Compartieron fiestas, sustancias, canciones, viajes, celos, conflictos. Los Fab Four evolucionaron con mucha rapidez, quemando etapas, y se hicieron añicos en 1970; los Stones fueron fieles durante décadas a su estilo, anclado en el blues.

El libro BeatleStones. Un duelo, un vencedor (editorial Milenio) trata de detallar las coincidencias y diferencias entre las dos bandas fundamentales de la segunda mitad del siglo XX. Una obra singular, pues sus autores son dos empresarios y melómanos franceses: Yves Delmas es el presidente de Seur y Charles Gancel, músico y novelista. Escribieron este libro de forma “perezosa”, a lo largo de 10 años, pasándose cada capítulo para que el otro lo completara.(Fuente: El País).

 

Paul y Linda McCartney, a la derecha, en el camerino de los Stones con Mick Jagger y Bill Wyman,

 entre otros, en Nueva York el 19 de junio de 1978.

 

 

Paul McCartney y Mick Jagger, en el concierto The Prince's Trust en Londres, en junio de 1986

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La publicación de "Los mejores 100 discos de rock en directo" de Tito Lesende reaviva el debate sobre las grabaciones en vivo. La gestación de uno de mejores discos en directo de la historia del rock fue un desastre. Hablamos del álbum de los Who, Live at Leeds. La banda se había concentrado para registrar el
recital del 15 de febrero de 1970 en la localidad inglesa de Hull. El guitarrista y lider Pete Townshend había decidido no beber en esa jornada, para evitar fallos. Y eso era un gran sacrificio. El concierto resultó magnífico. Solo hubo un problema, grave: cuando escucharon la grabación el bajo de John Entwistle no se oía. A la basura las cintas. Qué hacer. Escuchar el concierto anterior, el del 14 de febrero en Leeds, que el cuarteto inglés se lo había tomado como un ensayo para Hull, para ver si de chiripa tenía el suficiente nivel. En este Townshend sí había bebido. Lo escucharon y sonaba potente. Pero la grabación estaba repleta de incómodos clics. Consiguieron salvar solo seis temas, tres de ellos incluso son versiones. No tenían mucho que perder, así que lo editaron. El resultado es una de las demostraciones más apabullantes de la historia del rock, 36 minutos de visceralidad y decibelios. 

Resulta llamativo el caso de Alive!, de Kiss, de 1975. Estamos ante uno de los grandes timos de la historia del rock. El concierto fue calamitoso. Los músicos, más pendientes de esquivar fuegos y efectos de escenario, apenas atinaban las notas. Cuando lo escucharon se deprimieron. Qué se decidió: regrabarlo en el estudio. A pesar del engaño, Alive! aparece en la mayoría de las listas entre las mejores grabaciones en vivo.

Pero los discos en directo forman un género retro sobre el que resulta edificante zambullirse. Regularmente se publican listas con los mejores. Lo hacen las publicaciones especializadas y los periodistas eruditos. El último en llegar es un libro titulado, sin rodeos, "Los mejores 100 discos de rock en directo" (Editorial Efe Eme)  elaborado por el periodista y escritor Tito Lesende (A Coruña, 48 años). El autor enumera las cualidades que deben tener estas obras: “Una relevancia para la carrera de un artista, como es el caso de At Folson Prison (1968), de Johnny Cash; que aporte a las canciones conocidas una lectura extra, más profunda o más desarrollada que en su versión de estudio, como Live at Fillmore East (1971), de Allman Brothers; que sea un ataque de visceralidad, como Metallic KO (1976), de Iggy Pop and the Stooges; o que sea honesto, como Made in Japan (1972), de Deep Purple, que lo que suena es exactamente lo que estaba sucediendo en el escenario, sin añadidos ni eliminaciones”. (Fuente: El País).

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Cincuenta años después de la formación de Crosby Stills Nash & Young, aparecen dos biografías que, milagro, resultan complementarias.

Dos biografías de Crosby Stills Nash & Young explican una historia tan extraordinaria como deprimente. Los aniversarios redondos se amontonan y ocurren coincidencias embarazosas. Cincuenta años después de la formación de Crosby Stills Nash & Young, aparecen dos biografías que –milagro– resultan complementarias. Que es más de lo que se puede decir sobre los integrantes del muy legendario cuarteto.

A finales de los sesenta, prosperó el concepto del supergrupo. Una visión acumulativa: si se sumaban figuras destacadas, el resultado sería un conjunto, vamos, galáctico. Capitalismo primario, me dirán, pero también exhibían valores contraculturales, propios de individuos orgullosos de rebelarse. David Crosby había sido expulsado de The Byrds por lenguaraz; Graham Nash rompió con el conservadurismo de los Hollies. Tanto Stephen Stills como Neil Young salieron despedidos de Buffalo Springfield. Con excepción de Nash, todos habían firmado himnos generacionales antes de coincidir en la casa de Joni Mitchell o la de Mama Cass, que todavía hay dudas al respecto.

El milagro esencial: cuando se unían, sus voces sonaban a coro celestial. Tenían expresiones particulares pero compatibles entre sí. Una democracia del talento, que —se nos contaba— practicaban en sus refugios de las montañas de Los Ángeles, rodeados de damas hermosas y creativas, con acceso a las drogas más puras. De las que se sabía poco: en 1975, Neil Young todavía creía –ahí está la letra de Cortez the Killer–  que las hojas de coca eran un descubrimiento de los aztecas.

La versión moralista atribuye a la cocaína todas las culpas del descarrilamiento del proyecto. Eso supone confundir causa y efecto. En realidad, se comportaron como machos alfa, empeñados en imponer su voluntad. Con el tiempo, Neil Young, último en llegar, desarrollaría un complejo napoleónico, aprovechando que conserva el mayor tirón comercial.
Ah, los libros. Crosby Stills Nash & Young. The Biography, del inglés Peter Doggett, se centra en su esplendor, entre 1968 y 1974, aunque también aporta detalles sobre sus orígenes: crecieron en familias económicamente confortables pero poco estables. 1974 es cuando mordieron la manzana prohibida. Aceptaron una gira por estadios, montada bajo el imperativo de las máximas ganancias y, en compensación, con permiso para todos los excesos.
Crosby Stills Nash & Young. The Wild, Definitive Saga of Rock’s Greatest Supergroup, del estadounidense David Browne, es más extenso y ambicioso. Cubre cincuenta años de actividad de los cuatro, en solitario o en diferentes permutaciones. En este recorrido, detecta muchas joyas que pasaron desapercibidas y detalla las innumerables miserias de los bravos paladines del hippismo californiano.

La vida ha sido cruel con ellos. Stills sigue tocando pero está prácticamente sordo. David Crosby ha superado cárceles y quirófanos… sin haber aprendido sensatez: tiene la virtud de encrespar a todos los demás. Nash hirió las sensibilidades de sus socios con su autobiografía, Wild Tales . Por encima de todos, el imperial Neil Young: en la última gira conjunta, paradójicamente titulada Freedom of Speech , quería que sus compañeros no hablaran entre canciones. Tal vez intentaba evitar deslices pero no funcionó: corría 2006 y algunas de sus letras ofendieron a parte de su público, más intolerante que en los días de Woodstock. 

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El escritor Philip Norman viene de publicar Slowhand: The life and music of Eric Clapton (Manolenta: la vida y la música de Eric Clapton) (2018) (Ed. Weidenfeld and Nicholson) una biografía del músico Eric Clapton donde refleja las contrariedades, vilezas, rasgos de bondad y brillantez del guitarrista más dotado de su generación.
Norman ha logrado retratar con detalle y equilibrio al hombre introvertido e inseguro, que creció con una abuela que le hizo creer que era su madre (su madre biológica le dejó a su cuidado y se fue a vivir a Canadá) y cuyas tres únicas obsesiones eran tocar la guitarra como nadie lo había hecho antes, acostarse con el mayor número posible de mujeres y vestir las ropas más caras y glamurosas que le permitiera su bolsillo.

Pattie Boyd, quien ha hablado con el autor, surge en la biografía como uno de los personajes más dignos de toda una historia de personajes atormentados y excesivos. En ella se inspiraron el exBeatle Harrison y Clapton para componer Something y Layla, dos de las más bellas canciones de amor escritas. A los dos sufrió y aguantó.

Encaprichado con la hermana de Pattie, Paula, dejó que su entonces mujer se acercara a Clapton solo como una vía para deshacerse de ella. Y así fue como el guitarrista pudo por fin juntarse con su amor platónico. “La canción Layla me conquistó, al ver que habían sacado de mí tanta pasión y creatividad”, confiesa Boyd en el libro. También Clapton, después de casarse con ella, la abandonó de malas maneras por la modelo Jenny McLean. Nunca abandonó del todo su primera y única pasión, el blues, y tuvo luego una larga redención acompañada de premios y reconocimientos. La tragedia de su hijo, reflejada en la balada Tears in Heaven, humanizó finalmente del modo más desgraciado posible al dios Clapton. (Fuente: El País).

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¿Qué desencadenó la locura transitoria de Akira Kurosawa durante el rodaje de Tora! Tora! Tora!? ¿Cuál fue el motivo por el que Orson Welles y los guardianes de la revolución iraní cruzaron sus caminos? ¿Quién decidió que Superman perdiese su facultad de volar en la desastrosa producción que debió dirigir Tim Burton? ¿Por qué la princesa Grace de Mónaco se relacionó fugazmente con los Sex Pistols? ¿De qué modo influyó en el naufragio emocional de Marilyn Monroe la que debió ser su última película?.

La historia no oficial del cine se escribe con sus fracasos. Toda película inacabada y todo guión nunca filmado muestran esa historia. Este libro desvela cuarenta de esos proyectos olvidados y los motivos por los que nunca vieron la luz.

40 Películas que nunca verás (Proyectos inacabados que se convirtieron en leyenda) es el título del libro del escritor José A. Zamora, publicado el 26 de octubre de 2016 por la editorial Ilus Books.

 

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Cuando el rock and roll salvó a Tom Petty. La primera biografía en español sobre la estrella estadounidense arroja luz sobre los maltratos de su padre y su incapacidad para encontrar el equilibrio en su vida familiar. 

Son muchas las canciones de Tom Petty que hablan de la posibilidad de un mundo mejor, pero poco se sabe del mundo que, lejos de los escenarios y los estudios de grabación. El músico al que la revista Billboard nombró líder absoluto del rock, por sus más de 45 apariciones en lo alto de las listas, fue un hombre frágil, dañado desde niño por los maltratos de su padre en el seno de una familia pobre, escurridizo ante los focos de la fama e incapaz de encontrar el equilibrio entre el rock and roll y su vida privada. En palabras de Warren Zanes, autor de la biografía autorizada Petty (Neo Sounds), era alguien con una mentalidad que "tendía hacia la oscuridad".

No exagera Zanes cuando escribe en su libro que las canciones fueron "el refugio" del compositor de Refugee, donde se podía oír a un hombre que "anhelaba un poco más de paz". La biografía Petty es la más completa sobre uno de los músicos más importantes de la historia del rock.

Nacido en la localidad sureña de Gainesville, en Florida, Petty daba sentido a la frase de que en el Sur "el pasado nunca se muere, ni siquiera es pasado". Florida, un lugar de carácter incomprensible, descrita por Zanes como "el secreto sucio de Estados Unidos", marcó su vida. El entorno opresivo y violento de puertas adentro le llevó a aprenderlo todo por sí mismo, pero, más aún, la necesidad de ir en dirección opuesta a su padre. Era un hombre frustrado, con mal genio y aficionado a la botella, que pegó la primera paliza con el cinturón a su hijo cuando este tenía cuatro años.

Pero entonces apareció el rock and roll. Todo cambió cuando aquel chaval rubio acompañó a su tío a un concierto de Elvis Presley. No solo le vio actuar sino que le estrechó la mano, y, como escribe Zanes, "Elvis se convirtió en el símbolo del lugar al que Petty quería ir". Un lugar al que tardó en llegar. Tuvo que jugársela e irse a vivir a Los Ángeles, dejando a su mujer y su hija en Florida.

Zanes, quien tuvo un acceso privilegiado al entorno de Petty, arroja luz sobre personajes clave en el éxito del compositor de American Girl. Uno de ellos es Leon Russell, formidable pianista, que le dio consejos, se lo llevó a Los Ángeles y le enseñó la vida del rock entre bambalinas. Otro Bobby Womack, que le animó en el momento de mayor desorientación a grabar su primer disco. También el influyente mánager Elliot Roberts, quien llevaba a Neil Young, y le hizo ver que, al igual que Young, tenía que ser el líder de su propia banda. Sin democracia, Petty controlaría todo. Y otro Mike Campbell, exquisito guitarrista y su mano derecha, con el que formó Heartbreakers y arrancó su escalada a la fama, aun enfrentándose a su compañía de discos.

Petty no se entendería sin los Heartbreakers. El libro se encarga de poner en valor a una de las mejores bandas que dio la historia del rock and roll y también de explicar la dificultad de mantenerse unidos en la carretera durante 40 años. Su banda, de la que se separó en algunas ocasiones para buscar proyectos en solitario, sabía mejor que nadie cómo Petty necesitaba la música, obsesionado con grabar, girar y hallar luz en las canciones mientras, escondiéndose en las drogas y abrumado por los peajes de la fama, su prematuro matrimonio se desmoronaba lentamente. De esta forma, su primera mujer se hizo alcohólica. Su sentimiento de culpabilidad y su falta de adaptación a una vida familiar nunca le abandonaron. Pero tampoco el rock and roll.

Decía Petty que nadie puede comprender "el bombazo" que es hasta que lo vive. "La primera vez que cuentas hasta cuatro y, de repente, estalla el rock and roll, es algo más grande que la vida misma", explicaba. Esa vida a la que, como todos, siempre le buscó equilibrio, librándose de los aspectos más oscuros y componiendo canciones para hacer "todo más habitable". 

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En Kubrick en la luna y otras leyendas urbanas del cine (Errata Naturea, 2016) su autor Héctor Sánchez elabora una recopilación de grandes habladurías generadas en torno a las películas. Esas que se han convertido en mitos imborrables del imaginario colectivo, las que ratifican que hay veces en las que la realidad acaba superando a la ficción.

Héctor Sánchez ha investigado y nos relata las mejores leyendas urbanas, bulos y demás malentendidos relacionados con las grandes figuras y películas de la historia del cine. Todos estos episodios están narrados con un preciso conocimiento hasta de los más mínimos (y a veces escabrosos) detalles, pero también con el humor que requiere la ocasión, y David Sánchez ilustra cada una de las historias de forma incomparable.

De modo que el lector se encontrará con muertos en pleno rodaje (pero de los que no se levantan) y con actores que renacen de sus cenizas e incluso de sus tumbas; secretas adicciones y también inverosímiles habilidades sexuales de las que abren las puertas de Hollywood; mafiosos de los de verdad que entran y salen de escena junto con grandes presidentes que consiguen también su papel; sesiones de maquillaje literalmente letales y películas que bien se ganaron el apelativo de malditas; duelos de directores (cuando no peleas en el barro) y escaramuzas de grandes divas sin escrúpulos; falsos rodajes y también, por supuesto, rodajes en falso; tórridas imágenes subliminales escondidas en los más tiernos largometrajes, e incluso orgías con enanos… Un alucinante recorrido por la historia secreta y paralela del séptimo arte. Bienvenidos a la otra verdad del cine.

Link entrevista al autor

http://www.rtve.es/alacarta/videos/la-aventura-del-saber/aventurajhector/3871178/

En Kubrick en la luna y otras leyendas urbanas del cine (Errata Naturae, 2016) Héctor Sánchez elabora una recopilación de las grandes habladurías generadas en torno a las películas. Esas que se han convertido en mitos imborrables del imaginario colectivo, las que ratifican que hay veces en las que la realidad acaba superando a la ficción.

Ver más en: http://www.20minutos.es/noticia/2900944/0/kubrick-en-la-luna-y-otras-leyendas-del-cine/#xtor=AD-15&xts=46726

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Queen In 3D, el nuevo libro de Brian May, será lanzado hoy jueves 25 de mayo. Es el primer libro de Queen escrito por uno de los miembros de la banda e incluye una colección inédita de fotografías en 3 dimensiones recopiladas por el guitarrista a lo largo de los años, abarcando los inicios del grupo en los 70 hasta el día de hoy. De esta forma, el libro incluye mas de 300 fotografías, la mayoría de ellas tomadas por el mismo May, que se pueden ver a través de OWL VR, el visor de realidad virtual creado por el guitarrista y que viene incluído en el libro. Las fotos estarán acompañadas del texto que May escribió, partiendo de su interés desde niño en la estereoscopia (esto es, la técnica capaz de recoger información visual tridimensional y/o crear la ilusión de profundidad mediante una imagen estereográfica, un estereograma, o una imagen en 3D), y seguido por su propia crónica de los días de Queen desde 1970 hasta el presente, con relatos exclusivos sobres sus compañeros Freddie Mercury, John Deacon y Roger Taylor. Algunas de las fotografías fueron tomadas durante actuaciones de la banda, y otras detrás de escena, buena parte de ellas en tono informal. “Nadie escribió el libro por mí. Fui solo yo y estará escrito como si fuera relatado por mi propia voz en vez de ser una prosa literal. En estas páginas te hablaré directamente a través del tiempo, y a veces, a través de cosas que escribí en la época. Además, gracias a la colección de imágenes en 3D, podrás ver esos recuerdos con tus propios ojos”, afirmó May.

 

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Como siempre que se edita una enciclopedia del rock se corre el riesgo de despertar la polémica al incluir sólo a 700 de los miles de grupos o solistas.

La selección es, sin duda, subjetiva, y en varios casos se ha seguido el criterio de atender a la originalidad, la influencia sobre otros artistas o la aportación al rock, mas que a la mera popularidad. En esta ocasión, y con el fin de ofrecer el merecido reconocimiento a grupos o artistas menos conocidos, se incluye un Apéndice con otras 500 entradas. 

Este es un breve resumen de El libro del rock (los 33 años de la historia del rock), una pequeña enciclopedia publicada en el año 1991 por Ediciones del Drac S.A. y realizada por varios autores que contaron con el asesoramiento de Mike Clifford, músico que trabajó con Bad Company y Led Zeppelin y que fue relaciones públicas de Aretha Frankin, James Brown y muchos otros artistas.

Dentro del texto principal, se incluyen artistas individuales, con su nombre artístico y grupos con su nombre de grupo.

A continuación la biografía pone de manifiesto la trayectoria del artista. 

La biografía va seguida de la discografía, comenzando por los sencillos de éxito y la posición de los mismos en las listas americanas e inglesas. 

Una de las partes mas interesantes del libro son los doce árboles genealógicos, elaborados por el experto en genealogía de grupos Pete Frame y que constituyen una ayuda visual a la hora de relacionar a varios grupos y que permiten incluir a algunos de los artistas de rock mas desconocidos y su relación con otros músicos que se convirtieron en estrellas de la música rock.

 

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Con más de 50.000 ejemplares vendidos, el libro sobre cine "más vendido nunca en España", según la editorial, la Guía del Cine de Carlos Aguilar vuelve en una quinta edición corregida y aumentada con nuevas películas y directores hasta sumar alrededor de 26.500 títulos en sus 2.032 páginas, desde el cine mudo a estrenos hasta el año 2014.

A punto de cumplir 30 años de vida desde que se publicase por primera vez en 1985 como Gran enciclopedia del video-cine, desde 1986 se edita en la colección Signo e Imagen de Cátedra, que en 2004 la remozó y publicó ya bajo el título Guía del Cine -la anterior edición era de 2011-. Desde entonces ha llovido y se ha rodado mucho, y se han incorporado más de 5.000 títulos, entre películas de estreno reciente y otras antiguas "que merecían estar ya".

Este libro encierra el diccionario de películas más extenso y variado en lengua española, e incluye películas de toda índole y nacionalidad. Cada entrada incluye los datos fundamentales (título español y original, año y país de producción, director, guión, fotografía, música, duración e intérpretes), más una sinopsis orientativa. Asi­mimo, incluye dos índices, el de directores con las películas recogidas en la obra, relacionadas por orden cronológico, y el de tí­tulos originales, con sus correspondientes españoles. Obra singular en la bibliografía cinematográfica española (que contempla de modo particular la producción nacional), constituye un libro imprescindible para todos aquellos relacionados con el Cine, en el arco comprendido desde el aficionado hasta el profesional. Carlos Aguilar es historiador cinematográfico y novelista. Sumando autorías individuales, compartidas y colectivas, ha publicado cerca de setenta libros, entre España, Italia y Alemania. Del mismo modo, cuenta con diversos premios, tanto en España como en el extranjero.

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La historia de Bruce Springsteen ha sido contada muchas veces, aunque esencialmente a través de aproximaciones por cuenta ajena. Pero el autor de Born to run considera que ha llegado el momento de que las voces que interpretan su vida se silencien y sea él quien tome la palabra. 

Lo hace en su primer libro de memorias, Born to run, en el que recorre toda su vida en un volumen caudaloso que salió a la venta en todo el mundo el pasado día 27 de septiembre. Un relato apasionante, que no evita la crudeza, revela interioridades y exhibe brotes de humor.

“Escribir sobre ti mismo es un asunto divertido, pero en un proyecto como este el escritor tiene un compromiso: mostrar al lector su mente. En estas páginas, he intentado hacerlo así”, asegura en el comunicado. El músico lleva siete años escribiendo su autobiografía de forma secreta y tomó la decisión de empezar a repasar la historia de su vida en 2009 tras su actuación con la E Street Band en la final de la SuperBowl.

Son muchas las biografías publicadas sobre Springsteen, pero, en este caso, hay expectación entre sus seguidores por ver cómo afronta los recuerdos de su vida, marcada en sus comienzos por la fría relación con su padre, su pasión por el rock'n'roll desde que vio a Elvis Presley por televisión y su obsesión, desde entonces, por comunicarse con la música y convertirse en algo más que una estrella del rock

La autobiografía de Springsteen es el libro musical más esperado del año. Como preámbulo, el músico y su compañía discográfica, Sony, han decidido acompañar este acontecimiento editorial con un álbum. Se trata de Chapter and Verse,  un disco recopilatorio que tiene la misma portada que el libro (una fotografía de Bruce Springsteen apoyado en el capó de un coche perteneciente a la época de la publicación de The River). Chapter and Verse repasa sus más de 40 años de carrera, con canciones editadas entre sus obras Greetings from Asbury Park, N.J. (1972) y Wrecking Ball (2012), pero cuenta con el atractivo de incluir cinco composiciones que corresponden a la prehistoria del cantante y compositor.

El Boss dedica en el libro una pintoresca mención de doce líneas a la primera gira europea en apoyo a The river, en la primavera de 1981, con parada en el Palau d’Esports de Barcelona y que recuerda de esta forma en el libro: "España, solo unos años después de la muerte de Franco, no era el país que es actualmente", y destaca que el lugar donde actuaron "estaba rodeado por policías armados con metralletas". Y añade: "Fuera, un poco más arriba, parte del equipo desapareció por la parte de atrás de nuestra furgoneta, y en el hotel, nuestra ropa sucia salió andando hacia la noche barcelonesa para no volver a ser vista nunca más". Revelación: Bruce, víctima de sendos hurtos en aquella Barcelona de 1981.

"La vida de los españoles parecía inmersa en un lánguido y encantador caos", considera, si bien los rostros de los fans fueron "de los más hermosos y apasionados de todo el planeta", y su entusiasmo "conmovió a la banda". Concluye con un anuncio lapidario: "Volveríamos".

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Las divertidas memorias prepóstumas de un ex Monty Python. Los admiradores de los Monty Python estamos de enhorabuena. Terry Gilliam, uno de los componentes del mítico grupo de humor británico de los años 60 y 70, está de estreno con un libro Gilliamismos que recoge parte de su gran talento creativo. Una obra en la que no faltan montajes delirantes, fotografías inéditas y atractivas ilustraciones.
Gilliamismos es, como se apunta desde la editorial Malpaso, "un completo muestrario de su indudable talento creativo: sabrosas ilustraciones, montajes delirantes, fotografías inéditas y comentarios inesperados se funden en una furiosa amalgama de golpes verbales y visuales".

Gilliam no tiene ningún problema tanto en describir cada uno de los pequeños conflictos que guiaron la colaboración entre los Monty Python (mención especial a las peleas por hacerse con el papel de director en Los caballeros de la mesa cuadrada) como su condición, cerca del complejo, de americano entre británicos. Por las memorias de Gilliam circula un espectacular elenco de actores secundarios: los Monty Python (como es natural), George Harrison, Robin Williams, Jeff Bridges, Robert de Niro, Brad Pitt, Uma Thurman,  Johnny Deep, Woody Allen, Frank Zappa, Richard Nixon... Cada uno, por cierto, recibe su merecido.

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Que Van Morrison ocupa algunas de las páginas más brillantes en la historia de la música popular desde los años sesenta hasta nuestros días no es noticia. Es de sobra conocida su habilidad para escribir hermosas canciones e interpretarlas con un tono de voz sencillamente irresistible. Nadie canta como Van Morrison, nadie estremece como lo hace el León de Belfast. Pero poco, o no lo suficiente, se ha hablado hasta la fecha de su faceta en lo que a producción lírica se refiere. “Van Morrison: Toma interior” desgrana con delicadeza y detalle una tercera parte de sus textos a lo largo de cincuenta años, una oportunidad perfecta para deleitarse con historias y canciones que llevan acompañándonos toda una vida.

“Van Morrison: Toma interior” (Malpaso, 2016), con edición a cargo del profesor de filología inglesa y especialista en la historia y cultura irlandesa Eamonn Hughes, reúne por primera vez en edición bilingüe la obra fundamental de este maestro de la canción contemporánea en una antología bastante representativa de la obra del ¿cantautor? irlandés. A lo largo de sus 360 páginas, y escogidas por el propio Morrison, están “las letras de algunas de las canciones compuestas a lo largo de más cincuenta años en la carretera y, como tales, entiendo que son representativas de mi viaje creativo”. Uno observa el crecimiento creativo y vital del autor, su memoria infantil, los ecos de juventud, su viaje iniciático hacía una mística inalcanzable, su pasión por la radio dueña de su primer amor por la música o la llegada de la madurez, canciones y textos siempre entre lo espiritual y lo ordinario, letras que desde una posición personal alcanzan de la mano de Morrison una dimensión universal.

Coincide la publicación de este libro con una nueva distinción para Van Morrison. El pasado 4 de febrero fue ordenado Caballero del Imperio Británico por el príncipe Carlos en el palacio de Buckingham por sus servicios a la industria de la música y al turismo en Irlanda del Norte.

El prólogo lo firma el escritor escocés Ian Rankin, quien atinadamente ofrece luz a la obra de un cantautor diferente: “En ‘Songwriter’ (1995) Van Morrison implora a su público “Please, don’t call me a sage, / I’m a songwriter” (No me llames sabio, / sólo soy un cantautor). Y así es, pero no todas las letras de los cantautores destilan tanto embrujo al despojarlas de la música. Sus palabras trazan su recorrido vital, de Belfast a Boston y más allá. Sentirás que lo conoces más después de leerlas. Mejor aún, te llevarán de vuelta a su música, música que sosiega el alma”.

El libro, en una exquisita y gozosa edición, ofrece las letras en inglés y, como es habitual en ediciones bilingües, en su traducción al castellano no se aspira a recrear los recursos formales del texto original, respetando en todo momento la cadencia poética de Morrison. Aquí las letras traducidas actúan como instrumentos para entender verso a verso el sentido del texto original. Es un libro para disfrutar a pequeños sorbos, leer monumentos en verso nunca conoció la prisa, una experiencia que se vuelve completa si además uno acompaña la lectura con la música de Morrison.

Aquí encontraremos de nuevo para nuestro gozo la historia de ‘Gloria’, ‘Brown eyed girl’, ‘Into the mystic’, ‘Days like this’, ‘Have I told you lately that I love you’ y tantas otras bellas historias asociadas de manera indisoluble a nuestra existencia. Aparece también “Tupelo Honey”, canción de la que Bob Dylan dijo: “Siempre ha existido, y Van Morrison no fue más que la embarcación, el vehículo terrestre para tan alta misión”. (Fuente: EfeEme.com). 

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Desde "O sole mio", de Enrico Caruso, hasta "Stylo", de Gorillaz, pasando por "Hey Jude" (The Beatles), "Don't stop me now" (Queen) o "Satisfaction" (The Rolling Stones), son algunas de las canciones que todo el mundo debería escuchar antes de morir.

Así lo asegura el libro 1001 canciones que hay que escuchar antes de morir (Editorial Grijalbo), una lista de las mil mejores canciones que han sonado durante las últimas décadas en las emisoras de radio de todo el mundo.

Escrito por un equipo de periodistas y críticos musicales dirigidos por el escritor y editor Robert Dimery, este recorrido exhaustivo comienza en 1916  y termina en 2010.

En poco más de 900 páginas, "1001 canciones que escuchar antes de morir" propone a todos los melómanos un viaje musical por éxitos de siempre. Cada canción está acompañada por una breve descripción, la historia, sus influencias, sus versiones y la carátula del disco en que apareció publicada.

Ilustrada con fotografías a todo color, esta guía encierra más de un siglo de aquellas canciones que constituyen la banda sonora de nuestras vidas.

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¿Cómo sería el rock sin las creencias de que Elvis sigue vivo, que Paul McCartney murió en 1966 y que Led Zeppelin camufló un código satánico en Stairway to Heaven? Quizá algo menos divertido, opina Héctor Sánchez que en Paul está muerto (Errata Naturae) pasea por las leyendas más oscuras, graciosas y salvajes del rock. «Creo que uno de los encantos que tiene el rock es todo el mundo que surge alrededor, toda la bola de nieve que se crea y todo el teléfono escacharrado», explica.

El libro aprovecha el misterio y la riquísima mitología que envuelven al rock, repleto de figuras fascinantes y sucesos sorprendentes que siguen encandilando al público, aunque muchas de esas historias sean auténticos bulos. Como muestra, si uno escribe «Paul McCartney» en Google, el primer resultado que sugiere el buscador, antes que «Beatles» o «canciones», es «Paul McCartney muerto», como referencia a la leyenda urbana que dice que el músico de los Beatles falleció en un accidente de tráfico en los años 60 y que el actual es un doble.

«El rock tiene su propia historia, pero al mismo tiempo esta es una historia paralela que muchas veces es incluso más sorprendente que la propia historia real», cuenta Sánchez sobre un mundo en el que se enredan mitos, fanatismos y hechos verídicos y que él relata a través del humor y la ironía, incluso con los temas más escabrosos. Porque en el libro hay leyendas turbias de todos los colores, como la que «resucita» a Jim Morrison de The Doors, la que asegura que el fantasma de Janis Joplin sigue enclaustrado en el hotel donde murió o la que afirma que The Eagles escondió un mensaje demoníaco en Hotel California.

Según el escritor, «el carácter salvaje» del rock hace de esta música un terreno «propenso a las leyendas urbanas». «Después, si asociamos el tópico del sexo y la droga, es una combinación que al mismo tiempo funciona», añade.

Un coche en la piscina

El famoso incidente sexual con un tiburón de Led Zeppelin o la noche que Keith Moon, batería de The Who, aparcó un coche en una piscina, son otras leyendas que alimentan la imagen del rock como un mundo de exceso y, a la vez, pura ensoñación. «Sobre todo me interesaba qué parte de realidad había en esas leyendas, intentar desmentirlas, pero al mismo tiempo seguir creando algún interrogante. Que cada uno se quede con la parte que más le interesa», cuenta Sánchez.

Le cuesta decir cuál es su preferida, pero sí admite cierta debilidad por la leyenda que afirma que el disco Dark Side of The Moon, de Pink Floyd, es una banda sonora hecha expresamente para la película El mago de Oz. La más «cruel», en su opinión, es la que sostiene que Mama Cass, con problemas de sobrepeso, murió mientras comía un bocadillo.

El libro cuenta además con las ilustraciones de David Sánchez, que acompaña cada leyenda con su particular visión, y que según el escritor ha hecho un trabajo «muy bueno», como «un paso más allá», a la hora de «reinterpretar» los relatos de «Paul está muerto». (Fuente: David Villafranca - La Voz de Galicia).

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1001 discos que hay que escuchar antes de morir es un libro de Robert Dimery, publicado en el año 2013 y con prólogo de Michael Lydon (cofundador de la Revista Rolling Stone). Esta obra recopilatoria abarca una gran variedad de estilos y géneros, señalando hitos fundamentales y obras que, efectivamente, todo el mundo debería haber escuchado. Tiene la inteligencia de no plegarse a las modas y a la música más comercial (no se encuentran fenómenos de masas como Backstreet Boys, Britney Spears o Justin Bieber), pero sí recoge los trabajos de calidad, independientemente del éxito de público que cosecharan. Así, cosas que sí encontraremos son trabajos de Radiohead, White Stripes o Nick Cave, por citar algunos artistas.

Se trata de una enorme cantidad de información. Cada álbum tiene su correspondiente ficha y un breve texto que sitúa la obra en el contexto tanto temporal como de la carrera de su autor, además de una pequeña justificación de por qué debe ser considerado como uno de los seleccionados. Las entradas se hacen amenas y fáciles de leer, y el libro puede convertirse en una fuente de consulta, pero también leerse de corrido como un libro más. Se agradecen también índices por autor y obra, para encontrar fácilmente el disco que buscamos.

La recopilación empieza a finales de los años 50 y llega hasta el año 2013. Los títulos de los años 50 son sobre todo jazz y los inicios del rock. En los 60 emerge la figura del pop y destaca también el rock psicodélico y el folk; esta década resulta tan importante para la música que está sobradamente representada. Por ejemplo, sólo de 1967 se contabilizan más de treinta discos. En la década de los 70, destaca el auge de los cantautores o el nacimiento del rock duro y el punk. Los años 80 y 90 brillan por su eclecticismo: música electrónica, pop, rock, el auge del grunge, etc. Finalmente, la última parte está dedicada a los discos desde 2000 en adelante.

Toda selección implica subjetividad, y eso a su vez implica no poder contentar a todo el mundo. Se puede resumir con una frase típica: no están todos lo que son, pero son la mayoría de los que están. Y desde luego, ‘1001 discos que hay que escuchar antes de morir’, es toda una obra de referencia para los melómanos y los interesados en la música, que encontrarán en ella una fuente inagotable de nuevas sensaciones. 

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El cantante británico Morrisey, uno de los intérpretes más respetados, complejos y polémicos del mundo de la música popular, acaba de publicar su esperada Autobiografía en la que refiere sin pelos en la lengua a la sociedad británica, su experiencia en el ambiente discográfico y sus vaivenes amorosos tanto con hombres como con mujeres.
Morrissey, que tiende a ser muy reservado con su vida privada, reveló que no tuvo una relación amorosa completa hasta los 35 años y fue con un hombre, pero también cuenta que contempló tener hijos con una mujer.
El cantante fue despiadado con los magistrados que juzgaron la batalla legal en torno a la disolución de su conjunto, The Smiths, y con el sello discográfico a quien pertenecía.

COMO ÓSCAR WILDE
El libro ha sido descrito como entretenido y lleno de detalles picantes y graciosos, con los nombres propios que uno quiere conocer cuando lee una autobiografía.

Acaba de ser publicado por la editorial Penguin en su línea de “clásicos instantáneos”, una clasificación que ha generado controversia dentro del ámbito literario.
“Keats y Yeats están de tu lado, mientras que Wilde está del mío”, canta Morrissey en uno de sus éxitos, casi proféticamente, hablando de estos celebrados poetas de la lengua inglesa que, como él ahora, están editados en clásicos de Penguin.
El libro del cantante es más prosáico, sin embargo, y voluminoso: 470 páginas, sin división de capítulos ni índice. El primer párrafo es de cuatro páginas y media ininterrumpidas.
A pesar de su conocido hermetismo, habla abiertamente de su relación con Jake Walters, un hombre que conoció en 1994 en un restaurante. Escribe cómo Walters lo siguió hasta su casa “pone un pie adentro y se queda dos años”.
Fue la primera relación seria que tuvo en su vida: “Por primera vez el eterno “yo” se convirtió en “nosotros” cuando, finalmente, pude entenderme con alguien”, escribió.
Pero los amores de Morrisey no fueron exclusivamente con personas del mismo sexo. Cuando vivió en Los Ángeles, California, fue pareja de Tina Dehghani, una iraní que vivía en esa ciudad y con quien llegó a considerar tener hijos.
Morrissey describió esa relación como un “compromiso sin restricciones”. Tristemente, también describió haber sido molestado sexualmente por un maestro cuando tenía 14 años. A esa edad “entendí el significado de las caricias sensuales e innecesarias, con sus ojos fijos sobre los míos”, relató.

PLEITOS LEGALES
Stephen Patrick Morrissey (su nombre verdadero) saltó a la fama como cantante del grupo The Smiths, uno de los conjuntos británicos más venerados e influyentes.
Una banda de la corriente “indie rock”, con composiciones melancólicas, letras ambivalentes y un cantante de voz y comportamiento singulares, The Smiths lanzaron cuatro álbumes entre 1984 y 1987, cuando se desintegraron.
La pelea legal sobre los derechos y regalías de las canciones es abordada en la autobiografía con acidez contra el baterista Mike Joyce y el juez que escuchó el caso a quien describió como “el orgullo de la mocosería”.
Tampoco tuvo palabras muy gentiles para con Geoff Travis, el representante del sello Rough Trade, con quien The Smiths firmó un contrato discográfico. Según Morrisey, el conjunto le salvó la vida a Travis y le dio valor a largo plazo.
Con respecto a la industria disquera, el cantante acusa a la revista NME, una de las biblias del gremio, de querer destruirlo. Alega que cuando un nuevo editor asumió el puesto, convocó a sus reporteros para ordenarles que ahora deberían “ir detrás de Morrissey”.
Pero el libro también está lleno de anécdotas interesantes, humor, datos curiosos y nombres de los famosos.
Morrisey habla de verse con la actriz y cómica estadounidense Whoopy Goldberg, de cómo Mick Jagger de los Rolling Stones fue a ver un concierto suyo y sólo se quedó para cuatro canciones. Y se burla de Michael Stype, cantante de REM, por no lavarse los dientes antes de salir a cantar.
Recuerda que, al alcanzar la fama, todos querían ser sus amigos y una mañana lo despierta un insistente timbre de la entrada. Era Vanessa Redgrave, reconocida actriz británica.
Un vegetariano militante, cerrado con la prensa, impaciente con sus fanáticos, Morrisey,  ha sido acusado de narcisista y ególatra. El hecho de que haya insistido en que su autobiografía fuera publicada como un “clásico instantáneo” en Penguin antes del veredicto de los lectores no va a cambiar mucho esa imagen. No obstante, las reseñas que han salido hasta ahora son positivas. (Fuente: BBCMUNDO)