Discos (Del vinilo al CD) 

A night in San Francisco grabado en directo el 18 de diciembre de 1993 en el Masonic Auditorium de San Francisco, está considerado un clásico de todos los tiempos, y no es una exageración, la propia historia lo dice no solo por su extraordinario y diversificado contenido musical sino por la maestría vocal e instrumental de su autor, Van Morrison.

Por si fuera poco, Van Morrison se hace acompañar de algunos amigos para rafiticar que si alguien sabe lo que hace, es él mismo, el maestrísimo John Lee Hooker lleva la voz en su canción mas clásica de todos los tiempos: Gloria, el inmortal Junior Wells le da a la armónica con gusto en dos canciones y el dios del jazz-blues Jimmy Witherspoon hace lo propio con su voz en varias canciones. También su hija Shana Morrison pone voz al tema Beautiful Vision.

Como indican las grandes palabras de la contraportada, A night in San Francisco es un maravilloso flujo de sonidos, donde soul, góspel, blues, funk o jazz se conjuntan, se transforman y se empastan, siguiendo el hilo conductor de la increible voz de Van Morrison.

La música y la voz de Van Morrison es como la ruleta rusa: a la larga acabará haciéndote un agujero en la cabeza. 

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Mark Eric lideraba la vida de ensueño del sur de California en su adolescencia - el surf por el día y escribiendo canciones sobre chicas por la noche - antes de que su talento musical le arrastrara a Hollywood. Tenía 16 años cuando conoció a Bob Raucher, ingeniero de la estación de radio KHJ local. Raucher se enamoró de la persona que practicaba surf y componía, y consiguió que Eric grabara sus primeras canciones.  En sesiones posteriores Mark Eric fué arropado por buenos músicos de estudio y después de una reunión con Russ Regan, director de la UNI (propiedad de MCA), firmó con el prometedor cantante de pop suave. Mark sólo grabó un álbum "A midsummer´s day dream", que fue lanzado en 1969 y que los coleccionistas atesoran como una de las mezclas más perfectas de pop suave y surf pop y según la crítica es probablemente el mejor álbum que Brian Wilson y los Beach Boys nunca publicaron. Finalmente Mark abandonó la música  y comenzó a trabajar como actor en Hollywood, apareciendo en numerosas series de televisión y varios comerciales. Las últimas noticias sitúan a Mark como cantante nostálgico en cruceros de lujo, un triste final para un artista que quiso ser como los Beach Boys y que logro un cierto éxito con el single de presentación del que fué su único disco "California Home".

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Este es el extracto de una conversación que pudo cambiar el futuro de la música rock: "¡Hola Querida!. ¿A qué no sabes lo que me paso hoy?. Viste ese guitarrista que toca en las sesiones de todo el mundo, Jimmy Page?. Exacto, el de los Yardbirds. Bueno, vino a la sala de ensayo a decirme que está formando un nuevo grupo y quiere que sea el cantante. ¿Como que qué le contesté? Que no, por supuesto. ¡Justo ahora que tengo un contrato para ir de gira por los Estados Unidos...!. ¿Que decís? ¿Que si quedé mal? Nooooo. Zafé como un duque: le recomendé a un pibe rubio que canta muy bien. Incluso tiene una voz parecida a la mía. Un tal Robert Plant...".

Seguramente, en sus pesadillas, Terry Reid habrá revivido esa escena muchas veces en los años siguientes. La epopeya del rock está llena de artistas que sufrieron infortunios y frustraciones para llegar a su meta. Pero la historia de Terry Reid muestra la otra cara de la moneda. Un cantante a quien la fortuna golpeó a su puerta un lejano día de 1968 en el que le ofrecieron unirse al que -poco tiempo después- se convertiría en uno de los grupos más famosos del mundo. Esta es la historia del hombre que rechazó a Led Zeppelin.

La parte positiva de esta historia es que Terry Reid desarrolló una corta pero intensa carrera solista que tuvo sus mejores momentos a finales de la década de los 70 y que culminó con la publicación en 1973 de su obra maestra titulada River.
Este disco está estructurado, como muchos vinilos de la época, con dos caras bien diferenciadas: la cara A se reserva para cuatro temas que podemos denominar rockeros y entre los que destacan "Things to try" y "Love life", y en la cara B, de tono mas intimista, nos encontramos con tres auténticas joyas: "River", "Dream" y "Milestones", donde la guitarra y la percusión se mezclan con esa voz peculiar, única, que aulla, acaricia y sobre todo emociona, para recordarnos a un artista que con el paso del tiempo se convirtió en un músico de culto.

 

TERRY REID: RIVER

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Del country-rock mas inicial en su disco homónimo (1972) pasando por el intento fallido de álbum conceptual en Desperado (1973), el cambio en la producción hacia algo mas potente con On the border (1974) hasta llegar a la fiebre del sábado noche de One of these nights (1975), los Eagles nos ofrecen en Their Greatest Hits (1971-1975) un viaje en un descapotable por Los Ángeles a lo largo de diez canciones que marcaron una época y que son referencia de una generación.

Don Henley y Glen Frey se encuentran sin pretenderlo, en esas primeras charlas, de esos primeros bares viendo a Linda Rondstad y soñando formar algún día un grupo. Así nace el tema que abre el disco Take it easy, una de las canciones que mejor les definen: rock fresco y coros perfectos.

Al rítmo de los indios apareciendo de la nada en el desierto suena Witchy woman. A continuación se escucha la guitarra de Frey para dar comienzo a Lyin`Eyes, una historia de desengaño que el propio cantante vivió y plasmó en esta genial melodía.

Sin renegar del country, en su tercer disco On the border quisieron dar un giro a su sonido. En mitad de la grabación dejaron plantado a su productor Glyn Johns para encontrarse con Bill Szymczyk y dejar claro que sabían sacar mucho mas partido a sus guitarras de lo que estaban haciendo. Queda patente escuchando el siguiente corte del disco: Already Gone.
El disco Desperado contiene grandes temas, como el que da título al LP, seguramente una de las mejores interpretaciones vocales de Henley en toda su carrera.
Ya con Don Felder en sus filas, los Eagles publicarían en 1975 One of these nights. Es la primera canción de la cara b del disco con mas presencia de guitarras, coros y falsetes.
Continua el disco con una canción con toques country Tequila Sunrise, un tema completamente atemporal.
Antes de que Randy Meisner dejara la banda, nos dejó una extraordinaria interpretación en Take it to the limit una impresionante balada con un transfondo de soledad.
Mientras Peaceful easy feeling vuelve a la fórmula de esos temas rock, country, carretera para disfrutar del paisaje mientras cantas con los brazos abiertos dentro del coche.
El disco lo cierra magistralmente Best of my love, una de las mejores canciones del tándem Henley/Frey y que en su mayoría esta cantada de forma coral.

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Just One Night  es el tercer álbum en directo de Eric Clapton publicado por la compañía discográfica RSO Records en abril de 1980. Fue grabado en directo en el Budokan Theatre de Tokio (Japón) en diciembre de 1979 durante la gira de promoción del álbum Backless. La portada contiene una pintura del artista Ken Konno. Just One Night alcanzó el puesto dos en la lista estadounidense Billboard 200, país donde fue certificado disco de oro y llegó al puesto tres en la británica UK Albums Chart. 

El álbum da comienzo con la canción final del mencionado Backless, el previo a este directo. Se trata de Tulsa Time, tema del cantante country Don Williams y que fue nº 1 en las listas country en 1978. Le sigue Early In The Morning, tema tradicional grabado en un principio por Sonny  Boy Williamson en 1937 y que también había aparecido en Backless. Lay Down Sally es uno de los temas estelares del álbum de 1977 Slowhand, al igual que el siguiente tema Wonderful Tonight. If I Don't Be There By Morning fue escrita para Clapton por Bob Dylan y Helena Springs también para el álbum Backless. Worried Life Blues es una canción nueva para Clapton, un viejo éxito blues grabado y compuesto en 1941 por Big Maceo Merryweather. Del álbum de 1976 No Reason To Cry es la siguiente canción All Our past Times, coescrita por Clapton y Rick Danko. Y termina el primer disco con la famosa After Midnight de J.J. Cale, aparecida en versión de Clapton por primera vez en su primer álbum en solitario de 1970.

El inicio del segundo disco es Double Trouble de Otis Rush (publicada en 1958 como single), que también aparecía en No Reason To Cry, a la que sigue Setting Me Up, canción de Mark Knopfler perteneciente al disco debut de Dire Straits. Blues Power también es del álbum Eric Clapton de 1970 y fue coescrita por Clapton y Leon Russell. Rambling On My Mind es también un blues tradicional, grabado por primera vez en 1936 por Robert Johnson. Las dos últimas canciones son la conocidísima Cocaine, también de J.J. Cale y que aparecía en Slowhand y Further On Up The Road, canción de Veasey-Robey, grabada en 1957 por Bobby "Blue" Bland y que Clapton nunca ha grabado en estudio. Apareció en versión de Clapton por primera vez en el magnífico E.C. Was Here de 1975 y repetiría en el apoteósico The Last Waltz, en el escenario junto a The Band.

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The Wall (1979) el undécimo álbum lanzado por Pink Floyd supone también la culminación del ascenso de Roger Waters al dominio creativo total sobre la banda. Lejos de verse sobrepasado por esta responsabilidad, el bajista dio rienda suelta a su megalomanía con la concepción de esta ópera rock estructurada en un álbum doble que pretendía convertirse en lo más grande que habían creado hasta entonces.

La situación de la banda ya empezaba a ser muy tensa en la gira que siguió al lanzamiento de Animals, y la fractura no hizo más que agrandarse con la concepción de The Wall, que irónicamente sirvió para levantar un muro entre los miembros de la banda. La posición autoritaria y dominante de Roger Waters en el grupo se hizo más fuerte que nunca en los últimos años de la década de los 70, una situación que se hizo muy difícil de digerir por los demás miembros de la banda.

Waters fue quien a mediados del 77 llevó a sus compañeros la idea germinal de este disco, en forma de una demo de 90 minutos titulada Bricks in the Wall. Sobre este concepto inicial comenzaron a trabajar junto a Bob Ezrin, quien se encargó de escribir un guión para el ambicioso proyecto.

El concepto inicial de The Wall tenía un fuerte contenido autobiográfico en torno a la figura de Waters, quien reflejaba gran parte de su infancia y de las situaciones más traumáticas de su vida, como la muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial (In the Flesh?). En el planteamiento final, Pink surgía como protagonista central y aglutinaba no sólo los traumas y problemas de Waters, es decir sus ladrillos en el muro, sino también los del inolvidable Syd Barrett, cuya alargada sombra aún seguía cubriendo al grupo. La sobreprotección de su madre (Mother), la tiránica influencia de sus profesores (Another Brick in the Wall Part 2), las primeras experiencias con las drogas (Comfortably Numb) y otras situaciones que se narran a lo largo del álbum se van convirtiendo en los ladrillos del muro que irán aislando a Pink dentro de su propio mundo (Nobody Home).
Convertido en una estrella del rock, nuestro protagonista terminará por encerrarse completamente dentro de un mundo de locura (Is There Anybody Out There?), llegando a verse a sí mismo en pleno concierto como un dictador fascista que dirige a sus leales súbditos (Run Like Hell). Este imposible contraste entre la megalomanía y la soledad conducirá al cantante a una situación de crisis absoluta (Waiting for the Worms) y a su liberación que echará abajo el muro (The Trial), poniendo fin a su sufrimiento y cerrando el círculo del disco al terminar tal y como empezó.

El álbum fue un inmenso éxito comercial, llegando al número uno en numerosos países y convirtiéndose en uno de los discos más vendidos de la década, el álbum doble más vendido en la historia y uno de los más vendidos de todos los tiempos, con un total de 33 millones de copias vendidas a nivel mundial, de las cuales 11.5 millones de copias fueron vendidas solo en los Estados Unidos, en donde debido a su naturaleza como un álbum doble, está certificado como veintitrés veces disco de platino. 

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El hecho de que un hombre sea ciego, no significa que carezca de visión. Eso lo dijo Stevie Wonder como advertencia a cualquiera que dudaba del potencial de su imaginación. Esto le condujo en 1976, a las majestuosas canciones de Songs of key of life. Una colección de 21 temas que sería la cuminación de su carrera con tan sólo 26 años de edad. 

Stevie preparó doscientas canciones para lo que sería su decimoctavo disco,  por lo que su compañía decidió publicar un doble Lp acompañado de un Ep de cuatro canciones que alcanzó el número 1 de las listas de éxitos en lo que para muchos es su mejor obra. Vendió en su primer año de edición 9 millones de copias. El trabajo de Stevie Wonder consiguió cuatro premios Grammy: mejor disco del año, mejor producción, mejor interpretación masculina vocal pop y mejor interpretación vocal Rhythm & Blues por I Wish. 

Este disco ha sido todo un referente para los compositores de blues y R&B. Temas como Love’s In Need Of Love Today, I Wish o Sir Duke rezuman energía y optimismo. Stevie Wonder se rodearía de excepcionales músicos como Herbie Hancock, George Benson, Minnie Riperton, Ronnie Foster, Michael Sembello, Bobbi Humphrey o Nathan Watts entre un elenco de 130 músicos.

Stevie combina música orgánica y electrónica y ritmos pegadizos para conseguir una irresistible fusión de estilos. R&B, pop, funk, afrobeat, soul, instrumental, jazz, orquestal y experimental, toda una amalgama de estilos. 

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Fragile es el cuarto álbum del grupo británico de rock progresivo Yes. Se le conoce principalmente por la canción Roundabout, que fue lanzada como sencillo en Estados Unidos.. Este fue el primer álbum del teclista Rick Wakeman con Yes, y el primer lanzamiento de la banda en alcanzar los primeros 10 lugares en ventas a ambos lados del Atlántico.

Fragile salió a la venta en el Reino Unido en noviembre de 1971. Su lanzamiento en Norteamérica fue retrasado dos meses para aprovechar el aún creciente apogeo de la popularidad de The Yes Album. 

El álbum tiene una mágica portada diseñada por Roger Dean, artista especialista en el diseño de paisajes fantásticos y exóticos para las portadas de numerosos músicos. Presenta un planeta similar al nuestro, con mares y continentes, que es sobrevolado por una extraña aeronave de madera. En la contraportada se aprecia al planeta semidestruido y al planeador alejándose presumiblemente con los habitantes del planeta en su interior.

Entrando de lleno al contenido del disco, se le podría describir como una interesante combinación de cinco solo-composiciones (una por cada miembro del grupo) más cuatro extensas canciones en las que intervienen todos los integrantes de la banda.

Es así como tenemos el solo de teclados titulado Cans and Brahms (Extracts from Brahms' 4th Symphony in E Minor, Third Movement), adaptación que hizo Rick Wakeman especialmente para este álbum; el solo de guitarra acústica Mood for a Day a cargo de Steve Howe; la composición We Have Heaven donde resaltan los arreglos vocales de Jon Anderson; la breve pieza de percusión Five Per Cent for Nothing y finalmente la hipnótica instrumental con título en latín The Fish (Schindleria Praematurus), para el lucimiento de Chris Squire, cuyo apodo era "Fish".

Sin duda alguna Fragile es un álbum donde la clásico y el jazz van de la mano, donde elegancia y glamour están presentes y donde la creatividad individual nos asombra y nos atrapa para convertir este disco en uno de los mejores de la historia del rock.

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News of the world fue el sexto disco de estudio de Queen y se grabó entre Julio y Septiembre de 1977 en dos estudios, Basing Street y Wessex. Era la primera vez que la banda producía su disco sin Roy Thomas Baker aunque asistidos por el ingeniero Mike Stone. Otra novedad para Queen con el álbum News Of The World fue que funcionó mejor en EE.UU. que en su propio país. Llegó a nº 3 de la lista del Billboard y alcanzó el platino en América, mientras que en el Reino Unido llegó al nº 4. El álbum funcionó bien en las listas internacionales también ayudado por el primer single We Are The Champions, y más tarde por Spread Your Wings. El LP se editó el 28 de Octubre de 1977 en Gran Bretaña y el 1 de Noviembre en América. La portada del álbum reproduce una impactante imagen de la banda adaptada del cuadro del apreciado artista de ciencia ficción Frank Kelly Freas. La imagen perturbadora de un robot sacando a los cuatro miembros de la banda de un auditorio destrozado, resulta una de las más impactantes de la imaginería del Queen, en la funda interior, se puede ver al robot alargando su brazo hacia la audiencia mientras huye. La idea surgió de Roger que había visto una copia de una revista americana llamada Astounding Science, y pensó que, adaptándose, sería un gran portada para el nuevo disco de Queen. Se contactó con Kelly Freas al que le encantó la idea de adaptar su robot en un escenario tan improbable. Estuvo de acuerdo en alterar la imagen del robot para mostrar a la banda en el brazo ensangrentado del robot metálico.(Aquí podeis ver la imagen original que Kelly Freas diseñó para la revista de ciencia ficción).

News Of The World fue un cambio relevante con respecto a los dos discos anteriores, la banda dedicó la mitad del tiempo que le habían llevado en ocasiones anteriores las sesiones de grabación (apenas diez semanas) y esto supone que muchos temas tiene un sonido que muchos consideran poco producido para el estándar de Queen.
Sin duda, la historia de este disco se puede resumir en una sola palabra: rapidez. Fue un disco enérgico, lleno de canciones más rápidas y grandes singles. Y no sólo dentro del disco, sino también en el ambiente general del grupo, ya que estaban logrando completar uno de los años más atareados de su carrera respecto a los conciertos y grabaciones, que apenas dejaban descanso al grupo. A pesar de que hubo algunas críticas negativas diciendo que Queen había bajado sus estándares de complejidad musical, el disco fue una hazaña teniendo en cuenta la rapidez con la que se grabó.
Como suele ocurrir en todos los discos de Queen, encontramos bastantes géneros en este álbum. Sobre todo predomina el rock clásico o "duro" ("We Will Rock You", "We Are the Champions", "Fight From the Inside", "Sleeping on the Sidewalk", "It's Late"), pero también encontramos baladas más lentas ("All Dead All Dead", "Spread your Wings", "My Melancholy Blues") rock progresivo ("Get Down Make Love") e incluso un estilo cercano al punk ("Sheer Heart Attack"). Sin embargo, la prueba de que Queen era un grupo variado y dispuesto a innovar es la canción "Who Needs You", que tiene un estilo relajante y acústico. 

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Hace cincuenta años, el 12 de marzo de 1967 se publicó The Velvet Underground & Nico, un disco que llegó a alcanzar el puesto 171 en las listas de ventas y desapareció casi de inmediato. No obstante, con el tiempo ese LP figura para la revista Rolling Stone entre los 20 mejores de la historia (nº 13). Y es, con cierta diferencia, el más heterodoxo, duro y con menor éxito entre los primeros 50 de esa lista. 

Aunque no se vendiera y apenas fuera escuchado, el disco sí ganó cierta notoriedad en su momento. Debido sobre todo a su portada, tan polémica como las letras de Lou Reed, su guitarra entremezclada con la de Stirling Morrison, la voz casi anestesiada de Nico o los devaneos experimentales de John Cale en contraste con la batería de Maureen Tucker.

Sólo se vendieron 30 mil copias en los cinco años posteriores, pero todo aquél que lo compró, armó una banda. En la generación posterior a los hippies, que catapultó al glam rock y al punk, todos admiraron y encontraron inspiración para sus propios esfuerzos en ese LP.

Las letras de Reed tocaban temas casi tabú entonces como las drogas o el sexo y llegaban envueltas en el manto de experimentación tejido por Cale a base de ruido y de una viola cuyo sonido estaba inspirado en el motor de un avión, según el propio artista. 

La icónica portada diseñada por Andy Warhol, que en las primeras ediciones incluía un adhesivo que podía despegarse para revelar un plátano color rosa, es todavía una de las más emblemáticas de los 60.

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Tema: Sunday Morning

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La sociedad creativa de John Lennon y Paul McCartney no dejaba mucho espacio para George Harrison, aunque consiguió colar varios clásicos en el catálogo de los Beatles, en especial Here comes the sun y While my guitar gently weep, pero cuando el grupo se disolvió, tenía guardado un tesoro de material, canciones que, en 1970, presentó en All things must pass, uno de los dos o tres mejores álbumes lanzados por un ex Beatle.

Lo fascinante es que, mientras Phil Spector trabajaba con Lennon en la creación de sus desgarrados y desnudos discos de los primeros años 70, continuaba frecuentando al mismo tiempo el sendero de Abbey Road con el debut del Harrison post-Beatles, refinando su muro de sonido orquestal. Un elenco estelar arropó a Harrison, incluídos Billy Preston, Phil Collins, Eric Clapton y los restos de la banda Delanney & Bonnie (el batería Jim Gordon, el bajo Carl Radle y el teclista Bobby Whitlock), que en aquella época habían formado con Clapton Derek and the dominos.

La caja de tres álbumes contenía canciones tan delicadas y bien trenzadas, cargadas de espiritualidad como Beware of darkness, The art of dying, What is life y el éxito My sweet lord, pero este es un disco que mejora con la edad. La faceta romántica de George aparece en I'd have you anytinme, una canción que escribió con Bob Dylan, quien también contribuye en If not for you. Incluso se atreve con el caos sonoro de los Beatles en Wah-wah, una explosiva canción que muchos interpretaron como una bofetada a Paul McCarney, pero la mayor parte del álbum se alza muy por encima del ajuste de cuentas.

Desde el punto de vista comercial, el álbum alcanzó el primer puesto en la lista de discos más vendidos de numerosos países, entre ellos la Billboard 200 y la UK Álbums Chart. Tras su reedición en 2001, la Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos certificó el álbum con seis discos de platino.

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Beware of darkness

 

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Crack fué un grupo español, natural de Gijón, compuesto por Alex Cabal (bajo), Alberto Fontaneda (guitarra, flauta y voz), Mento Hevia (teclados y voz), Manolo Jiménez (batería) y Rafael Rodríguez (guitarra). En el año 1978 editaron el Lp titulado Si todo hiciera crack, quizás uno de los mejores álbumes de la historia del rock sinfónico español.

El disco fué grabado en los estudios Audiofilm de Madrid de la discográfica Chapa Discos y puesto a la venta en el verano de 1979. Cuando acudieron al estudio a grabarlo el productor les impuso una condición: recortar los larguísimos temas para llegar a un número razonable. Así pues, la primera tarea fué recortar esos temas y retocar para encontrar una cierta coherencia a lo que iba a incluirse en el disco. De él se extrajeron tres singles, dos promocionales (Buenos deseos y Si todo hiciera crack) y otro con Cobarde o Desertor en la cara A y Marchando una del Cid en la cara B.

La portada del disco surgió de un concurso organizado por Radio Gijón. Los oyentes enviaban sus propios diseños para la carpeta, y la idea del ratón en la

jaula y la jaula vacía de la contraportada (concepto basado en el tema que da nombre al disco) resultó ganadora.
El disco todavía forma parte del catalógo de una conocida página global de ventas on line, y está considerado un disco de culto en Japón y Corea del Sur donde fué reeditado en tres ocasiones en formato CD.
La mejor web global dedicada al rock sinfónico y progresivo www.progarchives.com contiene una crítica muy favorable al disco: "Su único disco  Si todo hiciera crack es una de las joyas del rock progresivo español. Contiene siete pistas, todas con una hermosa armonía entre los teclados, la guitarra y la flauta. Hay indicios de los comienzos de Genesis (acordes de piano sensibles y que se mueven en las ondas Mellotron) y Jethro Tull (flauta), pero el clima típico español y las composiciones elaboradas hace que este álbum sea una experiencia apasionante y emocional".
En el siguiente video, podemos ver un fragmento inédito del mítico espacio musical de finales de los setenta y principios de los ochenta Popgrama (presentado por Carlos Tena, Diego Manrique, Moncho Alpuente y Ángel Casas) dedicado al grupo.

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From Langley Park to Memphis, publicado en 1988, es el tercer album de Prefab Sprout, la obra maestra de uno de los mejores compositores de la historia del pop, el gran Paddy McAloon.

Producido por Thomas Dolby es el la crónica perfecta de como pueden escribirse perfectos temas pop e incrustarlos con arreglos brillantes y con una sonoridad maravillosa.

Este disco enseña sus cartas desde el título, ya que Langley Park es el pueblo del condado de Durham del que el grupo es originario, mientras Memphis hace mención a la ciudad capital del country en el estado de Tenessee. Si queremos mas referencias sobre el deseo del grupo de conquistar el mercado americano, solo tenemos que analizar canciones como Cars and Girls, que hace referencia directa a Bruce Springsteen, mientras que The King of Rock and Roll fué escrita desde la rendida admiración de Paddy por el icono cultural americano Michael Jackson. Las referencias no se paran aquí, ya que The venus and the soup kitchen se mete en un género tan americano como el gospel y Hey Manhattan es un guiño en toda regla a la isla de Nueva York.

Conocidos popularmente como The Sprouts, al principio de su carrera fueron catalogados como un grupo indentificado con la vida en ciudades pequeñas del Reino Unido y la cultura inglesa.

Desde finales de la década de los noventa, Paddy McAloon sufre una extraña enfermedad que le afectó directamente a la vista, por lo que el trabajo de la banda fué en descenso.

Prefab Sprout es uno de los grupos con mejores comentarios de la prensa mundial, pero no así por el público, quienes los han considerado demasiado avant garde, debido a profundidad de las letras en la composiciones de Paddy. Este disco tuvo una buena acogida pero no el éxito que seguían esperando. Paddy no entendía el porqué de la negativa del público, pero no cejó en su intento por conquistarlos.

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Los hermanos escoceses Knopfler, Mark y David, maestro de escuela y asistente social, respectivamente, compartían problemas para llegar a final de mes, junto a su compañero John Illsley, dependiente en una tienda de discos. Un día cualquiera, se reúnen con un amigo común  llamado Pick Whiters, un músico con cierta experiencia, por lo que no fué difícil encontrar una solución ante sus problemas económicos: "Creemos un grupo". Teniendo en cuenta la situación límite que propició la ocurrencia, qué mejor nombre que Dire Straits, su traducción en inglés.
Juntos, los cuatro componentes del grupo consiguen reunir el dinero para grabar una maqueta. En ella, cuatro temas: Wild West End, Water Of Love, Sacred Loving y Sultans Of Swing. Durante la promoción del álbum, la banda interpretaría la canción What's The Matter, Baby?, escrita conjuntamente por Mark y David Knopfler y posteriormente publicada en el álbum de 1995 Live at the BBC. 
Cuando un conocido disc-jockey de una emisora de radio en Londres pinchó la maqueta en su emisora, la reacción de la audiencia fué muy favorable, lo que obligó al pinchadiscos a seguir emitiendo la música de los Knopfler y compañía.
Entre los oyentes de la emisora se encontraba un conocido mánager de Fonogram, a la búsqueda de nuevos talentos, quien no cesó hasta conseguir que los Dire firmaran un contrato con su compañía. El mismo representante de Fonogram les presenta a una representante para sus conciertos.
Actúaron como teloneros del grupo norteamericano Talking Heads, en su gira por Gran Bretaña, lo que les permitió coger experiencia y darse a conocer. 
Este primer disco es un pequeña joya del rock que respira una madurez y creatividad que pocos grupos consiguen transmitir en sus comienzos.

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“¿Quién va a escuchar esta mierda?”, le decía un escéptico Mike Love a Brian Wilson mientras grababan God Only Knows. Al principio, casi nadie. El asombroso Pet Sounds, uno de los discos más influyentes de la historia de la música popular, no subió del puesto 11 de las listas norteamericanas, un descenso notable comparado con sus himnos de surfistas y chicas de la costa oeste.

Editado el 16 de mayo de 1966, en Pet sounds Wilson abandonó el tono juvenil y jovial de los primeros The Beach Boys y se escribió un LP mucho más maduro, ambicioso y consistente de principio a fin. Estaba a la altura de los Beatles más inspirados, pero introduciendo un elemento de experimentación y virtuosismo que cambiaría la historia de la música.

The Beach Boys eran tres hermanos de la ciudad californiana de Hawthorne (Brian, Dennis y Carl Wilson), su primo Mike Love y Al Jardine. Durante la primera mitad de la década de los sesenta, fueron un fenómeno de masas. Eran chicos ideales, habitantes de un verano eterno, una California idílica de romances en la playa, fiestas de surferos y placer juvenil donde no se ponía el sol. Debajo, Brian Wilson era un tipo inquieto, frágil e inestable. Y un visionario. Tras un ataque de pánico en un avión, Wilson abandonó la gira y se encerró en el estudio a trabajar de manera obsesiva. El fué el genio productor original.

En enero de 1966 entró al estudio rodeado de músicos de sesión. La película Love & Mercy (2014), con un excelente Paul Dano como Wilson, retrata el ambiente de grabación de Pet Sounds, que se puso fino cuando se aburrió de las guitarras y teclados y metió violines, vientos, percusión de todo tipo y hasta ladridos de perros y timbres de bicicletas. El resultado fué la joya de pop sofisticado que combinaba una orquesta multicolor, camino ya de la psicodelia, con las siempre pluscuamperfectas armonías vocales de The Beach Boys.

Frente al verano radiante de sus comienzos, Pet Sounds era un disco melancólico, adulto, agridulce. No había odas a las olas, la fiesta y el sol sino las dudas del que se hace adulto. La espléndida Wouldn't It Be Nice que abre el disco describe a una pareja suspirando por casarse y vivir juntos; I'm Waiting For The Day cuenta la desoladora historia de una chica que acaba de romper con su novio y de otro chico dispuesto a esperarla hasta "el día que pueda volver a amar". Sloop John B y Here Today eran auténticas cumbres del pop, pero fué la romántica y delicada God Only Knows la que prendió la llama de un disco insuperable. 

Los críticos norteamericanos aplaudieron Pet Sounds pero el disco no se vendió bien en Estados Unidos. Tuvo más éxito en Reino Unido y The Beatles reconocieron sin excusas su influencia en Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967). Wilson ya había cogido carrerilla y poco después escribiría Good Vibrations, otra de las canciones que cambiaron el mundo y la primera del que iba a ser disco definitivo de The Beach Boys, Smile.

Entonces Wilson perdió pié: problemas mentales y depresiones, adicción a las drogas y una grabación interminable provocaron la cancelación de Smile, que se convirtió en un disco maldito, y el comienzo del declive de The Beach Boys, justo cuando la contracultura anticipaba excitantes emociones musicales.
Hoy Brian Wilson gira por todo el mundo tocando Pet Sounds de principio a fin "por última vez", la mejor despedida para la más preciada obra de un genio insólito e inigualable.

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Una de los grupos mas importantes de la corriente musical denominada Rock Sureño fueron Lynyrd Skynyrd, la banda del legendario Ronnie Van Zant, del Sweet Home Alabama, del Free Bird, rockeros hasta la médula pero con raíces blueseras y sureños de corazón, quienes nos maravillaron con una joya en vivo titulada One More From The Road, doble LP publicado el 13 de septiembre de 1976 y grabado íntegramente en la actuación ofrecida en el Fabulous Fox Theatre de Atlanta, Georgia , el cual recoge un soberbio resumen de los mejores años de la banda (1970-77) y es inmediatamente anterior al fatídico accidente aéreo que acabó con la vida de su alma mater Ronnie Van Zant.
Los créditos de la banda, una alineación de leyenda con Ronnie Van Zant a la voz, Steve Gaines a la guitarra y coros, Gary Rossington a la guitarra y teclados, Allen Collins como guitarra principal, Billy Powell a los teclados, Leon Wilkeson al bajo, Artimus Pyle a la batería y los coros a cargo de JoJo Billingsley, Cassie Gaines y Leslie Hawkins.
El primero de los dos discos inicia con Workin’ For MCA, esa crítica feroz a las discográficas; continúa con I Ain’t The One, para enlazar con Searchin’ y acabar la primera cara con la preciosa Tuesday’s Gone. La segunda cara comienza con Saturday Night Special, el increíble Travelin’ Man, le sigue la loca Whiskey-Rock-a-Roller y acaba con la apoteósica y mítica Sweet Home Alabama, el himno por excelencia del rock sureño y el emblema sonoro de Lynyrd Skynyrd, canción inmortal que nació como replica a dos canciones de Neil Young.
El segundo vinilo arranca con Give Me Three Steps, sigue con Call Me The Breeze y cierra su primera cara con la versión de T For Texas de Jimmy Rogers, un guiño al country pasado por su tamiz rockero.
The Needle and The Spoon abre la cara B, sucediéndole otro cover, esta vez el maravilloso Crossroads de Robert Johnson que inmortalizaría Eric Clapton, y concluye con un éxtasis sonoro de 13 minutos y medio a cargo de la irrepetible Free Bird, una elegía al rock y a su forma de vida.
En 2001, con motivo del 25 aniversario del álbum, se publicó una edición De Luxe con extractos del concierto, distintas interpretaciones de las canciones, material extra de las introducciones de lo conciertos a cargo del presentador Alex Cooley y varios temas que no entran en el álbum pero que fueron igualmente legendarios como Simple Man o Gimme Back My Bullets.
Una delicia sonora, sureña por todos los poros, una lección de rock del bueno a cargo de músicos profesionales y pasionales, comprometidos y amantes de su tierra y de su música.
Es la creme de la creme del rock sureño, su cúspide y el espejo donde se han mirado muchos artistas contemporáneos: en definitiva, One More From The Road es un legado indeleble presagio del terrible destino que le esperaba a su máximo protagonista, el grandioso Ronnie Van Zant. 

Discos (Del vinilo al CD) 

Frampton Comes Alive! (1976) es el primer álbum en vivo de Peter Frampton y considerado como uno de los mejores discos en directo de la historia del rock. Fué el disco más vendido en todo el mundo del año 1976, logró vender seis millones de copias entre 1976 y 1977 en Estados Unidos, y fue elegido ‘album del año 76’ en la votación anual de los lectores de la revista Rolling Stone. Y como dato curioso, a pesar de ser ser un álbum doble, salió a la venta con un precio solo ligeramente superior al de un disco normal, 7 dolares con 98 centavos de la época, con el paso de los años se ha convertido en uno de los discos en directo mas vendido de todos los tiempos. Fué grabado en el Marin Country Civy Center, San Rafael, CA, 13 de junio de 1975, en Winterland Ballroom, San Francisco, 14 de junio de 1975, en Long Island Arena, Commack, NY, 24 de agosto de 1975 y en  Plattsburgh, NY, 22 de noviembre de 1975. El álbum debutó en la posición 191 de la lista billboard de la que fué número 1 durante 10 semanas.

Las canciones mas famosas del disco son "Show me the way", "Baby i love your way" y "Do you feel like we do", las cuales fueron lanzadas como singles.

La banda que grabó con él estaba compuesta por el propio Peter Frampton como guitarrista y cantante, Bob Mayo como segundo guitarra y teclista, Stanley Sheldon en el bajo y John Siomos en la batería. 

En enero de 2001 fué lanzada una edición Deluxe del 25 aniversario del álbum, que contiene 4 pistas adicionales que no estaban incluídas en la versión original. 

Discos (Del vinilo al CD) 

Disraeli Gears fué el segundo disco lanzado por Cream, el super trío por excelencia en la historia del Rock formado por Eric Clapton (guitarra y voz), Jack Bruce (bajo y voz) yGinger Baker (batería).
Grabado en mayo de 1967 en Nueva York y publicado en noviembre del mismo año en UK y diciembre en USA, del disco sólo fueron extraídos dos singles, logrando ambos una gran popularidad que perdura hasta estos dias. Estos temas fueron Strange Brew y Sunshine of Your Love.
Además el nombre del disco salió de un juego de palabras creado por un roadie (término referente al los técnicos que viajan con las bandas durante las giras). La historia cuenta que Jack Bruce y Eric Clapton discutían sobre una nueva bicicleta que este último quería comprarse, de repente entró a la conversación Mick Turner (roadie de la banda) comentando "it's got them disraeli gears" ("vienen con cambios Disraeli"), queriendo decir "Derailleur gears" (termino para los piñones traseros de las bicicletas con cambios), aludiendo por equivocación a Benjamin Disraeli, primer ministro británico del siglo XIX. De no ser por esta cómica situación, el disco simplemente se hubiese llamado Cream.
Con la ayuda del poeta Pete Brown en las letras y la producción de Felix Pappalardi, el disco constó de un total de 11 temas, ambos participando en la composición de algunos de estos temas. Mayoritariamente temas de Jack Bruce, que era el líder mayor de Cream a pesar del posterior éxito comercial de Eric Clapton, el disco además posee un tema firmado y cantado por Ginger Baker.
Entre los logros de este álbum, se encuentran que alcanzó el puesto Nº 5 en el ranking Británico y su single Sunshine on Your Love se transformó en uno de los Riffs más influyentes de la historia, siendo tocado incluso por Jimi Hendrix.
Respecto al arte del disco, el artista plástico australiano Martin Sharp pintó la portada en base a un collage de fotografías de la banda. El vivía en el mismo edificio que Clapton en la fecha y además, ayudó a Clapton en las letras de uno de los temas emblemáticos de la banda, Tales of Brave Ulysses. Además el disco incluye, en el envoltorio protector del vinilo, publicidad de una serie de Long Plays (LP) lanzados aquellos días por el sello ATCO.
El disco tuvo relanzamientos de lujo, siendo el principal una edición doble en CD que incluye algunos de los temas del disco en vivo para la BBC de Londres, además de algunos Demos y versiones alternativas, siendo una de las atracciones principales una versión inédita de Blue Condition que es cantada por Eric Clapton en vez de su compositor y vocalista original, Ginger Baker.