Albumes Clásicos (El proceso de grabación) 

Nevermind fué el disco de rock más importante de la década de los 90 y abrió la puerta a un gran número de bandas que se movían dentro del terreno de la ira y la angustia vital, cuya base estaba en la ciudad norteamericana de Seattle. Este disco vendió más de diez millones de copias e hizo del cantante de Nirvana, Kurt Cobain, un nuevo icono del rock muy a su pesar. 

Con unas letras escritas por el propio Cobain, llenas de sentimiento, el verdadero éxito de Nevermind venía de la música. El productor del disco, Butch Vig, consiguió que el grupo sonase brillante y crudo a la vez, gracias a la importante inversión de un sello discográfico de renombre, pero sin olvidar la faceta más natural y sincera de la música para conseguir un sonido real.

Las palabras podían ser inflexibles, pero la música no, ya que temas como "Smells like teen spirit", "Come as you are", "Lithium" y "On a plain" tenían la estructura de clásicos del rock a través de los cuales se sentía el poder de la sección rítmica y la voz desgarradora de Cobain. Pero no todo era sonido metálico y contundente, pues había un hueco para momentos acústicos como "Polly" que narraba la historia de un secuestro, y el tema que cerraba el disco "Something in the way" marcado por el lamento del violonchelo de Kirk Canning. Pero globalmente Nevermind fué una descarga de energía punk y rock que nunca ha tenido rival. Este álbum ocupa el puesto número 17 en la lista de la revista Rolling Stone de los 500 mejores discos de la historia de la música. 

PRIMERA PARTE

 

SEGUNDA PARTE

TERCERA PARTE

 

CUARTA PARTE

 

QUINTA PARTE

 

 

Álbumes Clásicos (El proceso de grabación) 

A Night At The Opera, el cuarto disco de la banda británica Queen, sin duda abrió un hueco para el grupo en el corazón de los consumidores de música norteamericanos, mientras en su país de origen sólo sirvió para confirmar su categoría como uno de los más populares grupos de rock. En Estados Unidos el disco llegó hasta el nº 9, mejorando en tres posiciones el puesto de su album anterior; en Inglaterra fue el primer nº 1 del grupo en las listas.

La canción por la cual Queen es más conocido, Bohemian Rhapsody, fue sin duda la primera en beneficiarse de la grabación de un video promocional. Estuvo nueve semanas como nº 1 en Estados Unidos durante las navidades de 1975 (vendiendo 1,19 millones de copias), aunque en Inglaterra sólo alcanzó el puesto nº 9.

En las navidades de 1991 regresó a lo alto de las listas norteamericanas durante otras cinco semanas, después de la muerte de Freddie Mercury, el lider del grupo, se convirtió en el séptimo single más vendido de todos los tiempos.

El cantante Freddie Mercury y el guitarrista Brian May se encargaron de la mayor parte de las letras; Bohemian Rhapsody fue escrita por Mercury, al igual que la vodevilesca Seaside Rendezvous, mientras que la mayor parte del resto, incluida 39 y la rockera Sweet Lady fueron compuestas por May. No obstante, el bajista John Deacon contribuyó grandemente con una canción de amor, You're my best friend, que alcanzó el nº 7 en las listas británicas de sencillos y el nº 16 en las norteamericanas. También contribuyó en la composición el baterísta Roger Taylor con el tema I´m in love with my car.En el año 1977, la canción Bohemian Rhapsody recibió dos nominaciones a los Premios Grammy como mejor interpretación vocal pop por un dúo, grupo o coro y mejor arreglo de voces.

 Primera Parte

 

Segunda Parte 

 

Tercera Parte 

Cuarta Parte 

Albumes Clásicos (El proceso de grabación) 

Enfrentados a la enorme tarea de seguir adelante tras Dark Side Of The Moon, Pink Floyd retomó su antigua vena experimental para crear Household Objects, una obra que debía de ser grabada al completo con...objetos de uso doméstico. La gira volvió a centrar al grupo y también empezó a endurecer el odio de Roger Waters por la industria discográfica al tiempo que Pink Floyd se convertía en un grupo que llenaba estadios.

La grabación de Wish You Were Here dio comienzo en Abbey Road a principios de 1975. Dos temas rodean este disco: por un lado la industria discográfica de la que ya estaban hartos de sus abusos e ignorancias, y por otro, el omnipresente recuerdo de Syd Barret.

Tras el inicio con el sonido de los bordes de copas de vino tocadas con los dedos húmedos, Shine on you crazy diamond es posiblemente el mejor single de la historia de Pink Floyd. Las nueve partes de este tema enmarcan el disco, una majestuosa alabanza de 25 minutos dedicada al ex lider del grupo Syd Barrett, que se vio obligado a abandonar la banda por una crisis nerviosa debida al consumo de drogas que le acarreó problemas mentales unos años antes. La inesperada llegada de Barrett al estudio en junio tuvo mucho que ver con el tono de tranquila desesperación que preside el álbum.

La letras se rebelan cercanas, sinceras, hasta un poco pop, pero dentro del mismo envoltorio original, arriesgado e intimidante de siempre.

Salió a la venta en septiembre de 1975, fue recibido con indiferencia por la crítica pero llegó al nº 1 a ambos lados del Atlántico, convirtiendo al grupo en un fenómeno todavía mayor de lo que ya era. 

Álbumes Clásicos (El proceso de grabación) 

Habían pasado más de cuatro años desde la publicación del inconmensurable trabajo Appetite For Destruction, probablemente uno de los mejores debut de la historia de la música, y el grupo Guns N’ Roses sabía que superar ese disco sería tarea difícil. Se tomaron su tiempo y todos los recursos a su disposición, utilizando hasta siete estudios de grabación desde que empezaran a grabar en enero de 1990 hasta que se dio por terminada la mezcla en los primeros días de agosto de 1991. Se esforzaron tanto por estar a la altura, que acumularon mucho material, y en la primavera de 1990 Slash contaba para la revista Heavy Rock “Tenemos ya 15 temas terminados, y cada vez es más posible que acabe siendo un LP doble. Tenemos un corte que sobrepasa los 9 minutos y alguno que otro ronda los 6, calculamos que el LP tendrá un total de 18 o 19 temas. Esperamos que quepan todos, el resto los emplearemos como caras B de los singles”. Al final fueron 30 los temas, y optaron por editarlos por separado en dos CDs (o dos vinilos dobles) de lanzamiento simultáneo y con una portada (que era una sección del fresco denominado La escuela de Atenas de Rafael) en la que solo cambiaban los colores.

En Use Your Illusion I y Use Your Illusion II hubo de todo, desde recuperación de temas que se habían quedado fuera de las sesiones de Appetite for destruction como Don’t Cry o Back Off Bitch; hasta las acertadas versiones de Live and Let Die (Wings) y Knockin’ On Heaven’s Door (Dylan); pasando, por supuesto, por agresivos zarpazos compuestos desde su llegada a la cumbre como You Could be Mine, Perfect Crime o Garden of Eden.

Los álbumes subieron al número 2 y 1 del Billboard 200 respectivamente, manteniéndose durante 108 semanas, teniendo una cifra combinada de ventas de más de 35 millones de copias a nivel mundial y 14 millones de copias vendidas solo en Estados Unidos. Seis de los singles de ambos álbumes llegaron al Billboard Hot 100 y cuatro de ellos entraron al Top 10 de la misma lista.  

 Use Your Illusion I y II (Documental)

 

Knockin’ On Heaven’s Door

Álbumes Clásicos (El proceso de grabación) 

The Joshua Tree, quinto álbum de estudio de U2 bajo el sello de Island Records, fué grabado en los estudios Windmill Lane de Dublin, Irlanda y producido por Brian Eno & Daniel Lanois. Se publicó el 9 de marzo de 1987. 
The Joshua Tree fué la confirmación de U2 a nivel mundial: fué un éxito de ventas y entre la critica. Además, gano el premio “Album of the year” en los Grammy Awards (1988), y se convirtió en uno de los discos más vendidos de todos los tiempos.

Este álbum y en concreto la canción One Tree Hill fué dedicado a la memoria de Greg Carroll, ayudante personal de Bono que falleció en un accidente de moto en Dublin en 1986.

Las fotos del disco fueron tomadas por el fotógrafo Anton Corbijn en el Death Valley National Park (desierto de California) y en ellas vemos constantemente el árbol de Joshua.

Este es claramente el álbum norteamericano de U2, tanto por la localización de las fotos como por las influencias de la música americana de sus miembros.

The Edge utiliza el efecto “infinite guitar” y consigue con ello crear algunos de los acordes de guitarra más logrados de todos los tiempos.

Bono, ha madurado como letrista y escribe algunas de las letras más comprometidas que ha escrito nunca (Mothers of the Disappeared está dedicada a las Madres de la plaza de Mayo en Argentina).
Adam Clayton y Larry Mullen Jr. proporcionaron a la banda una base rítmica difícilmente superable.

The Joshua Tree aparece en el puesto numero 26 dentro de los 500 grandes álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

El álbum fué editado en tres formatos vinilo, casete y CD. Cada formato tenía una foto de portada distinta (el ángulo desde el cual se tomaron las fotos es distinto en las tres). 

Albumes Clásicos (El proceso de grabación) 

Para la grabación de Hysteria, el extraordinario disco de Def Leppard, que fué publicado el 3 de agosto de 1987, el productor Robert John "Mutt" Lange visualizó grabar un disco que fuera como el Thriller de Michael Jackson pero de hard rock, pensando en que todas las canciones fueran tan buenas como para convertirse todas en sencillos.   

Hysteria se alejó por completo de los trabajos anteriores del grupo al buscar otros recursos de grabación inconcebibles en el mundo del heavy metal y el hard rock... grabar cada toma de instrumento por separado (no todo el grupo junto invocando a los dioses del rock), utilizar samples y trucos de estudio, multiples capas de voz para coros y todo eso que se escucha en los 12 tracks del disco y que aún hoy pueden sonar fuera de lugar si se escuchan con oidos que conocen el rigor del rock como estilo.

Se pueden citar muchos datos técnicos para explicar de alguna forma el porque este disco suena como suena... como el que en lugar de amplificadores Marshall (sinonimos de rock) Phil Collen y Steve Clark utilizaron unidades Rockman desarrollados por Tom Scholz  (líder del grupo Boston) para obtener un sonido de guitarra claro que pudiera ser procesado con toda libertad en la post producción y Rick Allen utilizó una batería especial que incorporaba "sonidos electrónicos" y que le permitia tocar la batería utilizando solo un brazo y sus dos pies, algo que marco el estilo y estructura de todas las canciones. El manejo, arreglo  y grabación de voces son "sello de la casa" del productor que incluso participó en los coros. Lo que más llama la atención de este disco es el enfoque a la melodía y no al ritmo... todos los instrumentos, voces y efectos están orientados a eso... a la melodía.

De las 12 canciones 7 fueron sencillos: Women, Rocket, Animal, Love Bites, Pour some sugar on me, Armageddon it y Hysteria. Precisamente el single "Love bites" llegó a número 1 en la lista Billboard y de este disco se vendieron mas de 20 millones de copias.

 

 

 

 

Albumes Clásicos (El proceso de grabación) 

Si hay una banda, por excelencia, que cambió el rumbo del rock n´ roll, esos fueron The Doors. La teatralidad de sus directos, la sexualidad, poesía, seriedad y compromiso socio-político de sus letras, la salvaje irreverencia de su actitud que les enfrentó a todo y a todos definieron la escisión definitiva del rock n´ roll de lo que conocemos ahora como rock. Con su álbum debut, The Doors (1967), llegaron a una fama y un reconocimiento que, desgraciadamente, no se podría mantener más adelante debido a la incontrolable volubilidad de su carismático líder Jim Morrison: poeta y cineasta de carrera, un héroe dionisiaco cuya genialidad y excentricidad catapultó a la banda tanto a la más absoluta fama como a la alienación más insalvable por parte de discográficas, promotoras y demás súcubos de la industria.

Desde un primer momento la censura sobre la banda se hizo patente. En el segundo single del grupo y uno de sus más laureados temas, Break On Through (To The Other Side), ya comenzó un lastre que se viviría tanto en sus álbumes de estudio, con una censura directa sobre las letras de la banda, tal y como se aprecia en el “She get´s high” (“ella se coloca”) de este corte, así como en su incendiaria conducta provocativa sobre el escenario. 

A pesar de la influencia obligatoria por las circunstancias sociales, inmerso en la época del flower power, la música de este álbum es oscura, es tenebrosa; el apocalipsis como destino infranqueable y el caos como hábitat natural. Desde el perturbador curso hacia el fin de End Of The Night hasta la suave e hipnótica The Crystal Ship, el transcurso del álbum siempre se tiñe de negro. El amor, ineludiblemente, ocupa parte de su obra, así como I Looked At You o el tema que causó el furor que les encumbró al número uno, Light My Fire; es amor, pero no es romántico. Es sucio y es humano, es sexual, provocativo, pero es también honesto y en ocasiones cubierto por una espesa capa de aceptada desilusión. Take It As It Comes puede confundir, puede hacerte pensar que también eran alegres y joviales, pero representa el espíritu indomesticable y feroz que los caracterizaba; Carpe Diem, no hay otra opción.

Cerrando el disco, The End. Una epopeya dramática de casi 12 minutos de duración. La serenidad del comienzo se va transformando lentamente en una vorágine oscura y enfermiza entre poesía y experimentación, una pieza “teatral” que demuestra varios de los factores que engrandecen a la banda. El uso de distintos y distantes estilos, congregados en un solo contexto musical, con el blues de Ray Manzarek al órgano, acompañándolo la distintiva sonoridad de los dedos, técnica inusual en el rock, de Robby Krieger en la guitarra, uniendo el ritmo con los beats jazzísticos de John Densmore, que incluía otros tan dispares como la bossanova o el funk primigenio. Y por supuesto, la voz y la composición de Jim Morrison. La creación original de los temas dependía de Morrison, a lo que el resto de la banda completaba para dar a luz al brillante conjunto de canciones que componen este álbum y, por extensión, el resto de su discografía.

 

 

 

 

 

Albumes Clásicos (El proceso de grabación) 

Guns N' Roses comienzan a trabajar en la continuación de "Appetite" a finales de 1990. Cuando las sesiones de grabación estuvieron finalizadas, el nuevo album se convirtió en dos nuevos álbumes. En junio de 1991 aparece el single You Could Be Mine, que también es la banda sonora de la película Terminator II.
En agosto de 1991 dan el concierto de presentación en el estadio de Wembley en Londres (con Skid Row como teloneros). Poco después Izzy Stradlin' abandona la formación, está cansado de las extensas giras y su relación con Axl no funciona. Tienen muchas diferencias musicales y personales, por lo tanto decide dejar el grupo, a pesar de ser el compositor de muchos de los éxitos de Guns N' Roses.
Después del retraso de casi un año, los álbumes Use Your Illusion I y Use Your Illusion II fueron lanzados en otoño de 1991 en medio de una gran expectación.

Los discos llevaron a la banda a una ambiciosa gira, con un gran número de conocidos rockeros, guitarras acústicas, secciones de viento, coro femenino, canciones que superaban los diez minutos de duración, y un buen número de letras provenientes de canciones que marcaron su juventud. Una gira que tendría por otra parte un gran éxito entre el público.
Tras tomarse casi tres años para completar el disco, la grabación resultó realmente difícil, y las tensiones entre Slash, Izzy Stradlin y Axl eran más que evidentes. Los dos guitarristas, particularmente Stradlin, trataban de mantener el grupo cercano a sus raíces de hard rock, pero Axl deseaba ser una mezcla de Queen y Elton John. Una solución razonable era haber dividido de manera clara estas ambiciones en los discos, pero en lugar de ésto, se mezclan en ambos, es una simple coincidencia que el "1" suene mas hard rock que el "2". Stradlin tiene una presencia más fuerte en el primero, contribuyendo con tres de los mejores temas, "Dust N' Bones", "You Ain't the First" y "Double Talkin' Jive", ayudando a mantener el álbum en el territorio de Rolling Stones o Aerosmith.

Use Your Illusion 2 es más serio y ambicioso que la primera parte, pero es también más pretencioso. Con más de cuatro canciones de más de seis minutos, el "2" suena a heavy épico, si bien está cargado de metal funk en el tema "Locomotive" o de antimilitarismo en "Civil War". "14 Years" puede tener ciertos aires hacia los ritmos de los Stones.
La expectación fue total ante el nuevo trabajo de Guns N' Roses, consiguieron ser número 1 a la vez en USA y UK, nadie lo había conseguido antes.

Grabados en los estudios A&M de Hollywood y producido por Mike Clink, en total 30 canciones. El primer single fué "You Could Be Mine", que llegó a ser número uno al igual que "Don't Cry" y "November Rain". Además "Let And Let Die" alcanzó el puesto 33 y con el vídeo November Rain ganaron 3 premios de la MTV: mejor efectos especiales, mejor edición y mejor cinematografía.

Hacía ya tiempo que ninguna banda elaboraba con tanta desesperación la bandera "sexo, drogas y rock n' roll". En el rock de los '90, lleno de conformismo, tópicos y tibieza, ellos se convirtieron en un auténtico vendaval que amenazaba con arrasarlo todo.

Documental Completo

Albumes Clásicos (El proceso de grabación) 

Deep Purple ya era un grupo consagrado en 1972. Tras la llegada de Ian Gillan en 1969, y la edición de In Rock en 1970, el cuarteto se encontraba ya en un punto álgido de éxito y calidad, a pesar de la ligera decepción de Fireball. Estaban a un paso de entrar en la liga de Led Zeppelin y Black Sabbath, y solamente les quedaba engrosar su lista de clásicos. Lo tenían prácticamente todo para entrar en el Olimpo del Heavy británico. Ian Gillan poseía una voz excepcional, una capacidad única de modular sus alaridos. Ritchie Blackmore era ya uno de los grandes guitarristas británicos, que sabía lucir una digitación frenética y una gran capacidad musical. John Lord era uno de los iconos del órgano Hammond: capaz de aportar riffs gruesos, efectos cósmicos o notas delicadas cuando era necesario. Finalmente, Ian Paice y Roger Glover formaban una de las bases rítmicas más competentes de los años 70.
Machine Head fue el mayor éxito comercial de Deep Purple (nº 1 en Reino Unido y su primer Top Ten en EEUU) y, junto con In Rock, el mejor disco de la banda. En esta ocasión, no repitieron las trazas de experimentación y furia del vinilo de “Child In Time”, sino que ajustaron su fórmula y lograron 7 temas compactos, potentes y llenos de clase.

Highway Star sigue fiel a la tradición de Deep Purple de comenzar su repertorio a todo gas (como Speed King en In Rock y Fireball en el disco homónimo). Gillan y Blackmore están majestuosos con sus interpretaciones - el solo de guitarra es un clásico, y un contrapunto al que despacha previamente John Lord. Tras esta obra maestra, “Maybe I’m A Leo” (un blues-rock de ritmo “contenido”) queda en segundo plano, pero “Pictures Of Home” es otro de esos cortes de un rock de extraordinaria clase, donde el Hammond de Jon Lord es especialmente brillante. La estructura de “Never Before” es más convencional, pero es un buen rock, muy pegadizo y con un ritmo irresistible, pero lo que viene a continuación es apoteósico. Así, irrumpe con fuerza el clásico de los clásicos, el riff más recordado del Heavy Metal: ¿quién no ha intentado tocar “al aire” las notas de la entrada de “Smoke Of The Water? Le sigue “Lazy”, una jam bluesera donde Blackmore se despacha con magníficos solos, y que en directo alcanzaría su verdadera dimensión.
Como traca final, “Space Truckin’” es inmejorable. Es el tema más duro del álbum, y posiblemente de la carrera del grupo. John Lord dobla con el órgano el riff de Blackmore, consiguiendo un sonido grueso, impactante. Los gritos de Gillan le colocan como el mejor par de cuerdas vocales de los setenta. 

Un disco imprescindible y probablemente el álbum más representativo de Deep Purple y el que les colocó en la cima del Rock de los años 70.

 

 

 

 

Albumes Clásicos (El proceso de grabación) 

El octavo disco de Pink Floyd, grabado en los estudios Abbey Road de Londres, tardó más de ocho meses en ser producido, un tiempo extremadamente largo para la época. Este trabajo fué lanzado en enero de 1973 en una sesión especial de escucha en el planetario de Londres. Dark side of the moon alcanzó el primer puesto de las listas norteamericanas, permaneciendo en ellas más de 15 años, un record absoluto en la historia de la música.

Expertos y fanáticos coinciden, en términos generales, en que Dark side of the moon es la obra maestra de Pink Floyd, el momento cumbre del rock progresivo, y uno de los álbumes más logrados en términos artísticos y de producción. Este disco es la culminación de los viajes internos del cuarteto londinense y la consolidación de Roger Waters como lider creativo de la banda. Sin ser el primer álbum conceptual de la historia, marca un punto y aparte en la narrativa de discos anteriores. Sus letras no son fantásticas ni poéticas: hablan, en términos llanos, de la soledad, la prisa, el aislamiento, la muerte, la avaricia y la locura de la vida moderna que, deste aquella lejana década de los 70, ya se vislumbraba.

Con  una  portada  a  cargo de Hipgnosis, colaboradores habituales y por siempre ligados a

las imágenes imposibles de los Floyd, (de la que se creía que el prisma de la portada estaba basado en las Pirámides de Guiza de Egipto) representa tres elementos: la iluminación en los conciertos de la banda, las letras del álbum y el deseo de Richard Wright de ver una portada más sencilla y pulcra que las que aparecían en sus trabajos anteriores.

Musicalmente mezcla, de la forma más hábil vista hasta entonces, elementos clásicos con la vanguardia técnica y compositiva más avanzada del momento. Alan Parsons, que fué el ingeniero de sonido, jugó en ello un papel fundamental. Los elementos típicos del rock se mezclaron con sintetizadores analógicos, efectos revolucionarios, reverberaciones, el piano de Richard Wright grabado del revés, ruidos de todo tipo incorporados a las pistas, fragmentos de gente hablando, cajas registradoras, tipos corriendo por el estudio, interpretaciones vocales no verbales etc. Una complejidad fuera de lo normal en 1973. Entre todos lograron que The Dark Side Of The Moon no fuese un disco de rock, ni de pop, ni de blues, ni de jazz, ni de soul, ni de rock progresivo, hard-rock o space-rock, y sin embargo lo fuese todo a la vez.

Albumes Clásicos (El proceso de grabación) 

The Doors es el primer álbum de estudio del grupo homónimo publicado en 1967 y que es considerado como uno de los mejores trabajos de la banda, además de uno de los mejores álbumes debut de cualquier grupo. En 1998 los lectores de la revista Q eligieron este álbum como el n.º 93 de los mejores discos de todos los tiempos, en 2003 el canal de cable VH1 lo situó en el n.º 60 y figura como n.º 42 en la lista de los 500 mejores álbumes según la revista Rolling Stone.

Corría el año 1967, y las connotaciones políticamente incorrectas aún no habían azotado de pleno a la música. Fue tarea del genio, del artista, del  sublime  Jim  Morrison  romper  las  reglas. Y la censura y el

escándalo no se hicieron esperar: La canción Break On Through (To The Other Side) fue censurada de su linea original: “She Gets High” pasó a convertirse en un simple “She Gets”, y lo mismo ocurrió con el tema The End, del cual fue censurada una parte final, donde

Morrison cantaba “Fuck, Fuck”. Es curioso cómo este tema, con el que The Doors cerraba todos sus conciertos, liberaba la expresión artística de El Rey Lagarto, improvisando un final distinto en cada uno de ellos. Es reseñable en especial, por su repercusión a posteriori (ya que fue una de las razones por las que Morrison impresionó a un representante discográfico) una actuación en un local abarrotado en la que a Jim se le ocurrió cantar al final: “Mother, I Want To FUCK YOU”. Ésto le costó la salida a patadas del local, y un contrato discográfico millonario. En mi opinión, salió ganando.

El álbum es rico tanto melódica como líricamente, a pesar de los precarios medios de los que disponían. Y esa riqueza corrió en gran parte a cuenta del cofundador de la banda junto con Morrison, Ray Manzarek, (teclista) cuya capacidad compositiva no conocía límites. Temas como Light My Fire (número 1 en todas las listas de éxitos durante mucho tiempo) o Alabama Song (Whisky Bar) dan buena cuenta de la calidad del trabajo.

PRIMERA PARTE

 

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Álbumes Clásicos 

Hoy añadimos una nueva etiqueta al blog en la que descubriremos el proceso de grabación de discos míticos de la historia del rock contado por los propios músicos y técnicos que formaron parte del proyecto.

A Night At The Opera, el cuarto disco de Queen, sin duda abrió un hueco para el grupo en el corazón de los consumidores de música norteamericanos, mientras en su país de origen, Inglaterra, sólo sirvió para confirmar su categoría como uno de los más populares grupos de rock. En Estados Unidos el disco llegó hasta el nº 9, mejorando en tres posiciones el puesto de su album anterior; en Inglaterra fué el primer nº 1 del grupo en las listas.
La canción por la cual Queen es más conocido, "Bohemian Rhapsody", fué sin duda la primera en beneficiarse de la grabación de un video promocional. Estuvo nueve semenas como nº 1 en Estados Unidos durante las navidades de 1975 (vendiendo 1,19 millones de copias), aunque en Inglaterra sólo alcanzó el nº 9.

En las navidades de 1991 regresó a lo alto de las listas norteamericanas durante otras cinco semanas, después de la muerte de Freddie Mercury, el lider del grupo, se convirtió en el séptimo single más vendido de todos los tiempos.
El cantante Freddie Merrcury y el guitarrista Brian May se encargaron de la mayor parte de las letras; "Bohemian Rhapsody" fué escrita por Mercury, al igual que la vodevilesca "Seaside Rendezvous", mientras que la mayor parte del resto, incluida "39" y la marchosa "Sweet Lady" fueron compuestas por May. No obstante , el bajista John Deacon contribuyó grandemente con una canción de amor, "You're my best friend", que alcanzó el nº 7 en las listas británicas de sencillos y el nº 16 en las norteamericanas.

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