Canciones traducidas (Subtítulos del sonido) 

En 1981 BILLY IDOL pasó de ser la cara bonita del Punk Inglés a estrella del rock. Después de tres discos con el grupo Generation X (formado por fans de los Sex Pistols), Billy comprendió que tenía que emigrar a los Estados Unidos para poder conseguir su verdadero sueño, ser el Bowie o el Bolan (T.Rex) de los 80, es decir una estrella juvenil con la capacidad de atraer a las masas.

En los últimos meses de 1983 publicó su segundo álbum titulado “Rebel Yell” y el éxito fue inmediato. El segundo tema editado en single “EYES WITHOUT A FACE” era una composición del propio Billy y de Steve Stevens, el guitarrista fichado para su carrera americana por el manager del grupo Kiss.
El título de la canción lo sacó de la película francesa Les Yeux Sans Visage (1960), aunque nada tiene que ver con la escalofriante historia de un cirujano que secuestra a varias chicas para poder reconstruir el rostro de su hija -desfigurado en un accidente- con su piel. 
El tema está impregnado de un macabro romanticismo que nos recuerda lo anónimo que es nuestro entorno y el pesar por una relación que se descompone.

Canciones traducidas (Subtítulos del sonido) 

Black dog es uno de los temas más conocidos de la banda británica Led Zeppelin, publicada en el álbum Led Zeppelin IV, y una de las canciones más famosas de rock de la década de los 70.  Fue editado como single el cual incluía Misty Mountain Hop en la cara B. Fue el primer single del álbum y llegó al puesto 15 de las listas americanas.

La historia cuenta que el bajista John Paul Jones fue quien empezó a escribir la canción luego de escuchar el disco Electric Mud del gran Muddy Waters, ya que quedó impresionado con el sonido del bajo en varias de las canciones que contenía ese álbum.

En pocos minutos, Jones ya tenía escrita la famosa línea de bajo y el riff de guitarra, el cual fue depurado en el estudio por los dedos del maestro Jimmy Page que le incorporó varios efectos de sonido a su guitarra en la interpretación y posterior grabación. 

Los arreglos vocales están influenciados por Oh Well de Fleetwood Mac según ha admitido el propio Robert Plant. La canción también aporta influencias del rock psicodélico, esto se nota en los riffs, y el ambiente musical que recrea la alusión del "rock ácido". 

Terminada la canción, los cuatro integrantes empezaron a buscarle un título a su nueva creación. Se aportaron diversos titulos, pero nada los convencía.
Días despues, la banda se dirigía a los estudios ubicados en Grange Headley, con el fin de grabar su éxito Starway To Heaven. Ese día se les atravesó en el camino un enorme perro de color negro y Plant con sus compañeros, luego de mirarse las caras con risas y picardía, decidieron llamarle a su canción: Black Dog. Así de simple, aunque dicho titulo no tiene nada que ver con la temática de la letra... Aunque con los Led Zeppelin nunca se sabe. 

  

Canciones traducidas (Subtítulos del sonido) 

Los componentes de la banda de rock Deep Purple asistieron al concierto que ofrecía Frank Zappa en el Casino de Montreux, el 4 de diciembre de 1971. La banda británica había llegado el día anterior con la intención de comenzar con la grabación de su nuevo disco en el mismo escenario donde Zappa ofrecía su recital.

Hacia el final del concierto, un fan lanzó una bengala al techo provocando un incendio que se extendió rápidamente. El local fue desalojado y la grabación posterior cancelada, teniendo que buscar otros locales alternativos.

Horas después, desde el hotel donde se alojaban, los Deep Purple veían cómo el edificio del casino ardía y el humo causado por el incendio se extendía sobre el lago Lemán. Eso provocó que unos días después el bajista, Roger Glover, tuviera un sueño del que se despertó gritando Smoke on the water (Humo sobre el agua), así que le pidió al vocalista Ian Gillan que escribiera una letra sobre lo sucedido, éste utilizo las notas que había tomado en una servilleta el día del incendio, prácticamente una transcripción literal de los acontecimientos.

Como base musical del tema se utilizó lo que más tarde sería uno de los riffs más populares de la historia, compuesto por el guitarrista de la banda Ritchie Blackmore. Este era un riff que Ritchie tenía pendiente de utilizar en alguna canción y que guardaba cierta similitud con la bossa nova Maria moita del brasileño Carlos Lyra, popularizada por Astrud Gilberto bajo el título Maria quiet. Más allá de este parecido, el guitarrista declaró que el riff estaba inspirado en las notas de la Quinta sinfonía de Beethoven

Aunque al principio el grupo no le prestó especial atención a su nueva creación, pronto la canción se convirtió en una de las más celebradas de la banda y fue incluida en el álbum Machine Head de 1972, siendo considerada por la revista especializada Rolling Stone como una de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. 

Canciones traducidas (Subtítulos del sonido) 

More Than a Feeling es una canción de la banda norteamericana Boston, que fue su single debut en las pistas rockeras en Septiembre de 1976.
Además esta canción forma parte de su exitoso disco debut homónimo, que llegó a vender 17 millones de copias en todo el mundo y fue galardonado como Multiplatino.
Con este disco, el mundo del rock en los setenta le daba la bienvenida a esta gran banda, que contenía mucha potencia en los riffs del ingeniero Tom Sholz y la maravillosa voz de Brad Delp.

Esta canción fue escrita por Sholz y su inspiración principal para componerla vino de una canción llamada Walk away renee de la banda norteamericana The Left Banke, la cual fue muy exitosa a mitad del año 1966. 

Tom Sholz tardó casi cinco años en escribir y arreglar cada detalle de la canción. Para eso trabajó en su estudio de grabación casero que estaba ubicado en el sótano de su casa, el cual fue la fábrica de casi todas las canciones de ese primer disco, ya que los contratos y las discograficas no le tenían mucha confianza a estos muchachos que solo querían tocar buen rock.

El arduo trabajo de Tom Scholz dió buenos frutos para la banda. Como buen ingeniero, se dedicó a analizar cada acorde y a revisar cada detalle de las armonías de la guitarra, bajo y hasta la batería. Es que todo tenía que tener un orden perfecto, ningun detalle se podía escapar en la mesa de sonido y ese fue el rasgo principal para que la canción sea una pieza clásica del buen rock y de la musica de los 70's.

Canciones traducidas (Subtítulos del sonido) 

Dust in The Wind es el título de una canción interpretada por la banda norteamericana de rock progresivo Kansas, publicada en 1977 y que alcanzó el puesto nº 6 de las listas de popularidad Billboard Hot 100.

Escrita por el guitarrista de la banda Kerry Livgren, fue una de las primeras piezas acústicas de la banda; su melodía suave y su letra melancólica se diferencian de otros éxitos de la banda que tienen un grado mas de guitarras electricas y experimentacion.

Kerry Livgren, habla de la historia del tema en estos términos: “Un día en mi casa después de una gira, estaba tranquilamente sentado cuando mi esposa me escuchó esbozando este punteo acústico y me dijo: Suena muy agradable, deberías convertirlo en una canción". Yo le contesté: “Nah, es sólo un ejercicio." Estaba leyendo un libro de poesía de los indios americanos en ese momento y leí este verso: "All we are is dust in the wind" (Todo lo que somos no es sino polvo en el viento), que me llamó mucho la atención y se me quedó grabado dentro. Estaba tarareando ese verso mientras punteaba la acústica ejercitándome y 15 minutos después ya tenía hecho el tema. La grabé en un pequeño aparato analógico de cuatro pistas y me la llevé a los ensayos. Cuando la toqué para el resto del grupo, se hizo un silencio sepulcral. A veces, las cosas que surgen de una sencilla inspiración duran más que algo en lo que trabajas esforzándote al máximo”.
El interludio de la canción, escrito también por Livgren, contiene una melodía distintiva interpretada por Robby Steinhardt , doblando sus solos de violín, viola y chelo.

La canción está hecha con un profundo significado espiritual sobre la vida y como debemos enfrentarla.

Canciones traducidas (Subtítulos del sonido) 

Time es una canción de la banda britanica Pink Floyd. Pertenece al album The dark side of the moon publicado en 1973 y es uno de los pocos temas donde los cuatro componentes de la banda comparten la autoría.
El single de este tema fue lanzado el 24 de marzo de 1973 y es una de las canciones mas famosas de la banda que revolucionó con nuevos sonidos al rock de los setenta.

El tema es muy reconocido por su particular intro donde un conjunto de relojes dan el toque sorprendente con sus alarmas. Dichos relojes y las alarmas fueron grabados por separado, gracias a las ideas del productor Alan Parsons, en una tienda de antigüedades cerca de los Estudios Abbey Road.

Con respecto a la letra, esta viene de la inspiración en las ideas y reflexiones de Roger Waters sobre el tiempo, basado en que la vida no se trata de prepararse para lo que viene, sino de tomar control de tu destino.

En enero del 2007, los lectores de la revista Guitar World, por medio de una votación, dejaron al "solo" de Gilmour en el puesto nº 21 en la lista de los mejores "solos de guitarra de todos los tiempos".

Este tema de Pink Floyd pertenece a uno de los discos que mas ha vendido en el mundo, más de 45 millones de copias y en el año 2004 se dió el dato de que el promedio de ventas del Lado oscuro de la luna es de 8.000 copias por semana.

Canciones traducidas (Subtítulos del sonido)

The Boys Are Back in Town es una canción de la banda irlandesa Thin Lizzy. Fue publicada como single en 1976 en el Reino Unido promocionando el disco Jaibreak, que fue el que tuvo mas ventas en la historia de este gran grupo.

Escrita por el bajista y principal compositor de la banda, Phil Lynott que se inspiró en sus fans, que en su mayoría eran chicos de clase obrera a los que les gustaba salir de juerga y divertirse por las noches. Además se dió cuenta que la mayoria de ellos bebían en exceso y tenian problemas con los vicios caros. También llamó la atención de Phil  que estos chicos era reprimidos por la sociedad británica, ya que solo los veian como unos borrachos de la calle y no se daban cuenta de la cantidad de problemas psicosociales que tenian cada uno de estos jovenes que sentian en el rock and roll una forma de escape. Lynott fue uno como ellos, ya que era considerado en su país como un "black Irish bastard" debido a que era un hijo de madre irlandesa y padre brasileño. Lynott tuvo que sufrir la pena de tener un padre ausente, ya que este marchó de casa y soportar una infancia llena de problemas sociales, donde el rock fue una salida y donde el futuro le sonrió hasta ser considerado como unos de los rockeros mas famosos de Irlanda.

La revista Rolling Stone elogió en sus páginas al cantante por su forma de interpretar la canción ya que lo hacía "con el alma" y destacó la interpretación a dúo del riff de guitarra por Scott Gorham y Brian Robertson, porque fue crucial para el éxito de la canción.
Con este tema la banda se hizo famosa a nivel mundial, ya que antes de lanzar el disco Jailbreak solo eran conocidos en su pais. Alcanzó el puesto nº 12 del UK Singles Charts mientras que en Estados Unidos lograron entrar al Billboard Hot 100 en el puesto nº 8. En su Irlanda natal, la canción alcanzó el primer puesto de los rankings por varias semanas.

Con el paso de los años, la canción fue obteniendo más popularidad, siendo considerada como una pieza clave del rock clásico. Fue colocada en la posición n.º 499 en la lista de la revista Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos y en marzo de 2005, la revista Q colocó a The Boys Are Back in Town en el número 38 en su lista de las 100 mejores canciones con guitarra.

 

Canciones traducidas (Subtítulos del sonido) 

Realmente, si Free Bird nunca hubiera sido compuesta (estaba dedicada a Duane Allman que había fallecido en un accidente de moto), habría que inventársela. Y es que sólo puede definirse como uno de los tótems del rock. Planteada inicialmente como una balada, su estructura in crescendo acababa transformándola en un potentísimo tema de rock duro en una espectacular sucesión de órgano, piano, guitarras slides y un larguísimo solo que tenía la rara virtud de no hacerse en absoluto largo o pesado.

Publicada inicialmente en 1973 dentro del primer álbum de la formación Lynyrd Skynyrd (aquel cuyo famoso subtítulo precisaba cómo debía pronunciarse el nombre del grupo, algo así como leh-nerd skin-nerd), se lanzó como single mucho más tarde, en noviembre de 1974. A pesar de que sus resultados en listas fueron relativamente discretos -apenas entró en el Top 20-, el tema iba a alcanzar muy pronto el estatus de clásico. Para cuando se volvió a editar en directo en 1976, ya estaba a punto de entrar en la leyenda.

Así que no es de extrañar que hoy esté considerada como una de las canciones más valoradas de cualquier ránking de la música rock. Además, como prueba de su presencia en el imaginario popular dentro del mundo anglosajón, existe la recurrente broma por parte del público de pedir a cualquier artista sobre el escenario que se marque Free Bird, lo cual mortifica a muchos músicos, especialmente si no son unos grandes virtosos.

Canciones Traducidas (Subtítulos del sonido) 

Sunday Bloody Sunday es una canción de la famosa banda irlandesa U2 que fue publicada como single el 11 de marzo del año 1983 y que se incluía en el tercer disco del grupo titulado War.

Bono, quien comparte la autoría de este tema junto a The Edge, siempre ha mencionado que no se trata de una canción rebelde sino que está ligada a la verdad de un trágico suceso que marcó con sangre a su país. El cantante se refiere al comentado episodio que vivió su natal Irlanda conocido en todo el mundo como El Domingo sangriento y que tuvo lugar el 30 de enero de 1972, en Derry, Irlanda del Norte, donde un grupo de paracaidistas del ejercito británico asesinaron a 14 ciudadanos que participaban pacíficamente en una marcha por los derechos civiles. 

Las letra de esta canción es una crítica fuerte hacía esos necios por el derramamiento de sangre de personas inocentes que simplemente buscaban la Paz para Irlanda. Ambos músicos han declarado que la canción no contiene tintes políticos y que simplemente busca informar y discutir sobre estos actos que muestran que aún existen personas que razonan y reaccionan peor que animales sin rumbo.

La canción cautivó a gran parte de Europa y también pegó fuerte en los Estados Unidos. Con el paso de los años, la canción tomó un sentido social mas fuerte y es considerada uno de los himnos mas importantes en favor de la paz mundial.

En el año 2004 la canción ingresó a la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos elaborada por la revista Rolling Stone, ubicándose en el puesto 268.

Canciones traducidas (Subtítulos del sonido) 

American Woman es una canción de la banda canadiense The Guess Who que fue lanzada como single solo para norteamerica en Marzo de 1970.
Esta canción marcó todo un hito para la banda y para el rock canadiense, ya que fue el primer single de una agrupación oriunda de ese pais en lograr el primer lugar en los rankings en Estados Unidos.

Esta famosa canción fue escrita por los cuatro integrantes de la banda, o sea por Randy Bachman, Burton Cummings, Jim Kale y Garry Peterson luego de hacer una versión improvisada durante un concierto que daban en Kitchener, Ontario. En esa ocasión los Guess Who se preparaban para empezar su recital y cuando estaban a punto de cantar la primera canción, el guitarrista Randy Bachman sufrió la pérdida de una cuerda de su guitarra y le pidió a sus compañeros de banda que esperaran a que la arreglase.

En ese momento, el resto de la banda empezó a improvisar un ritmo para animar a los fans y el vocalista Burton Cummings empezó a cantar lo primero que se le venía a la mente y el resultado fue la frase "American Woman, stay away from me!". La gente no lo podía creer...
La banda se sintió muy a gusto con esa improvisación (especialmente con el riff de guitarra) y decidieron arreglarla en los estudios, para luego grabarla e incluirla en su proximo disco.

Mientras arreglaban la canción, la banda decidió darle otro sentido a la letra y dejar un mensaje oculto en ella. Ese mensaje era de contenido anti-belico y de protesta hacía la actitud imperialista que había tomado el gobierno de Estados Unidos.
En primera instancia muchos de los fans, especialmente las de sexo femenino, pensaron que era una canción con contenido machista y se dedicaron a criticar abiertamente esta canción de la banda.
La banda enfocó especialmente su crítica en el trato que le daban a esos jóvenes que vivían en la frontera entre Canadá y Estados Unidos que eran reclutados a la fuerza, sin entender sus ideales ni preguntrarles si esa era su opción, para ir a pelear a los campos de batalla en territorio vietnamita defendiendo la bandera de un país que no los identificaba.

Debido a esta interpretación de la letra, las autoridades del gobierno de Nixon declararon que el contenido de American Woman era anti-estadounidense y decidieron que The Guess Who no participara en un show artístico a las afueras de la Casa Blanca en 1970.

Con American Woman, la banda logró el nº 1 en el Billboard Hot 100 y se mantuvo en dicho puesto durante 3 semanas. Esto ayudó mucho a The Guess Who, que en ese entonces eran muy famosos en Canadá, pero con esta polémica canción triunfaron definitivamente en Estados Unidos. 

Canciones traducidas (Subtítulos del sonido) 

Burn es una canción de la famosa banda de hard rock británica Deep Purple, publicada en 1974 como parte del disco que lleva el mismo nombre.

Fue con esta canción con la cual debutó la nueva formación de la banda, donde el guitarrista Ritchie Blackmore y el teclista John Lord se dieron el lujo de reemplazar la inigualable voz de Ian Gillan (que se habia marchado junto al bajista Roger Glover por problemas con algunos integrantes de la banda) por la de un desconocido David Coverdale que por ese entonces se dedicaba a vender pantalones en varias tiendas de ropa y al enterarse, por un aviso del periódico, que Deep Purple necesitaba un vocalista envió una grabación casera a los estudios de la banda, que por ese entonces estaban en la cima de su fama.

Con Coverdale en sus filas, la banda se trasladó a Montreaux, Suiza, para grabar el disco Burn, que fue uno de los primeros discos de Hard-Rock en ser promocionado por televisión.
La letra de Burn al parecer fue escrita por el nuevo vocalista, aunque muchos creen que fue la pluma de Blackmore la que primó en la creación lirica, ya que era él quien tenía esa fascinación por la Edad Media, la brujería y todo lo sobrenatural que se refleja en esta historia que trata sobre una mujer que llega a una ciudad y comienza a prevenir que el fin se acerca, pero los ciudadanos solo se ríen de ella y es entonces cuando la mujer dice Burn y la ciudad empieza a destruirse por las llamas.

Musicalmente es una canción notable y digna de ser colocada en todas las recopilaciones del rock clásico ya que logró darle mas popularidad a la banda de la que ya tenia con clásicos como Smoke on the Water. Blackmore nos regala un grandioso riff de guitarra, inspirado de sus viejos discos de Blues que escuchaba en su juventud.
La canción alcanzó el tercer puesto en las listas de éxito británicas.

Canciones Traducidas (subtítulos del Sonido) 

Losing My Religion es el título de una canción de la banda estadounidense R.E.M. y está incluída en su álbum Out of Time publicado en 1991.

El título de la canción nace de una expresión muy común en el sur de los Estados Unidos, losing my religion, que significa "perder el control" o "salirse de sus casillas".
Aunque no alcanzó el número 1 en las listas de popularidad de Estados Unidos, es considerada la canción más famosa de R.E.M. y es la que les dio reconocimiento mundial. En el Reino Unido alcanzó el lugar 19 y en Estados Unidos el puesto 4, manteniéndose todavía como su sencillo más exitoso hasta la fecha. 

Michael Stipe dijo al New York Times que el tema trata sobre la expresión romántica, sobre alguien que suspira por otra persona y el amor no correspondido que te atrapa. Stipe dijo que era una clásica canción pop sobre la obsesión humana.

R.E.M. recibió nominaciones en siete categorías en la edición de los premios Grammy de 1992. Losing My Religion obtuvo por su parte algunas nominaciones, incluidas las de grabación del año y canción del año. La canción ganó dos premios: mejor interpretación pop de un dúo o grupo con vocalista y mejor video musical corto. En 2004, la revista Rolling Stone la ubicó en el puesto 169 en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.  

 

Canciones traducidas (Subtítulos del sonido) 

The Logical Song es un super exito de la banda inglesa Supertramp y fué lanzado en 1979 como parte del album Breakfast in America. La letra y musica pertenece a Roger Hodgson.

Una de las caracteristicas principales de esta canción es su particular sonido que fué catalogado "contemporaneo" para la epoca. Con el tiempo se le conoció con el nombre de "Takled" que es un sonido muy parecido a aquellos que pueden ser escuchados en los partidos de futbol americano.

Los musicos a cargo de la grabacion de este tema fueron Roger Hodgson en voz, guitarras y teclados, Rick Davies en piano, organo Hammond, sintetizadores y coros. John Helliwell se encargó del saxo alto y coros, Bob Siebenberg en castañuelas, bateria y pandero y Dougie Thomson en el bajo.

La canción fué un gran exito en las radios y llegó al sexto lugar en los charts de Estados Unidos. En el Reino Unido ocupó el septimo puesto de las listas de ventas.

La letra es una «historia de inocencia e idealismo perdido», en la que Hodgson condena a un sistema educativo no basado en el conocimiento y la sensibilidad.

Canciones traducidas (Subtítulos del sonido) 

Tenía una voz parecida a la de Donovan y su música era rica en matices, muy cálida, en una línea similar a los discos que a principios de los años setenta lanzaron a la fama  a reconocidas figuras, hoy con estatus de leyenda, como Neil Young o Gil Scott-Heron. Basta escuchar canciones como I Wonder, Street Boy, Crucify Your Mind o Sugar Man para caer en la cuenta de que estamos ante un brillante compositor que combinaba la música folk con el rock, la psicodelia, el pop y pinceladas soul. Pero, cosas que pasan en la industria musical, Sixto Rodríguez nunca tuvo éxito, al menos en Estados Unidos y Europa, los dos grandes mercados. Fué un absoluto desconocido.

Los discos que grabó para Sussex Records en 1970 (Cold Fact y Coming From Reality) no despacharon más de seis copias, según responden desde el sello norteamericano. Su carrera se pararía de golpe cuando Sussex prescindió de sus servicios antes de Navidad, como cantaba de manera premonitoria en Cause, una de sus canciones más tristes y que cerraba el Coming From Reality, su segundo y último disco,  publicado en 1971.

Canciones traducidas (Subtítulos del sonido) 

Born to be wild es una canciòn escrita por Mars Bonfire, la cual hizo famosa la banda oriunda de California Steppenwolf.
A menudo es utilizada por la cultura popular para identificar la actitud rebelde de los motociclistas de carretera. Fué descrita por algunos como la primera cancion de rock pesado de finales de los sesenta aunque aún esta en disputa ese puesto sobre cual cancion fué la canción pionera en ese popular estilo musical.
La canciòn se registró por primera vez en 1968 en el album homonimo de Steppenwolf. Rapidamente se convirtiò en el gran numero uno de la banda, alcanzando el puesto 2 en el Billboard Hot dias despues de su lanzamiento.
Tambien fué incluida en muchos álbumes compilatorios y bandas sonoras. La primera de ellas fué para la pelicula Easy Rider (1969). A diferencia de la versión del album, la canción contiene sonidos de motocicletas en la introducción. De ahì en adelante, Born to be Wild es la canción que está mas asociada con las motocicletas.

Canciones traducidas (Subtítulos del sonido) 

Old Man es una canción compuesta, escrita e interpretada por el cantautor norteamericano Neil Young y que fué incluída en su cuarto disco Harvest, publicado en 1972.  

La canción fué escrita para el cuidador del rancho Broken Arrow Ranch, al norte de California y que Young adquirió en el año 1970 por la cantidad de 350 000 dólares.

La canción compara la vida de un joven con la de un viejo, haciendo ver que, de alguna manera, las necesidades de ambos son las mismas. En los créditos de la grabación figuran el famoso cantautor James Taylor que toca el banjo de seis cuerdas (modificado como una guitarra), haciendo también una de las voces y contando también con la participación de la cantante norteamericana Linda Ronstadt.

El tema ha sido incluído en varias bandas sonoras de películas e incluso fué interpretado por Bob Dylan en alguna de sus giras y en la década de los 90 por el trío de éxito Wilson Phillips.

Canciones traducidas (Subtítulos del sonido) 

Para diciembre de 1983 los Smiths habían organizado una mini-gira por EE.UU. Allí firmaron con el sello Sire con el fin de que distribuyeran sus discos en América y Canadá. Finalmente dieron un solo recital en Nueva York el 31 de diciembre.

 Años más tarde, declararon que de esta accidentada gira, al menos salió algo positivo: la composición del tema Heaven Knows I’m Miserable Now, realizado en una habitación del hotel mientras esperaban volver a su tierra natal.

Siguiendo con su adoración hacia Sandie Shaw, el título de este corte está sacado de Heaven Knows I’m Missing Him Now, un single publicado en septiembre de 1969 por la gran musa de Morrissey.
El single fué objeto de cierta polémica en Gran Bretaña en el momento de su lanzamiento a causa de la letra de la canción que ocupaba la cara B, Suffer little children, que trataba sobre ciertos asesinatos de niños, los llamados "Moors murders", ocurridos entre 1963 y 1965 en Mánchester.

La canción alcanzó el puesto número 10 en el Uk Singles Chart en junio de 1984. Posteriormente, fué incluída en el álbum recopilatorio Hatful of Hollow y elegida como una de las 500 canciones que dieron forma al Rock and Roll según The Rock and Roll Hall of Fame.  

Canciones Traducidas (Subtítulos del sonido)

Con Eye in the Sky, publicado en 1982, el proyecto musical propio del hasta entonces renombrado ingeniero de sonido y productor Alan Parsons se convierte en un éxito mundial. Y lo hace gracias al perfecto tema pop que da título al álbum, su canción más famosa y recordada. Hasta entonces, The Alan Parsons Project, proyecto que descansaba tanto en Alan como en Eric Woolfson con la colaboración de músicos como Andrew Powell (de forma destacada con sus excelentes arreglos orquestales) y diversos vocalistas además de Woolfson, había presentado una serie de crípticos discos conceptuales con complejas y ricas producciones bastante alejados de las listas de éxitos pese a la presencia puntual de temas (a veces vocales, a veces instrumentales) que entraban tímidamente en las listas.

Aunque una nota de prensa de la época por parte de la discográfica describía el disco como "una historia de advertencia acerca de la pérdida del individualismo", y se han buscado paralelismos con la novela 1984, de George Orwell (Trata del posible fin de la privacidad individual causado por Big Brother. En la novela, los ciudadanos están bajo continua vigilancia por medio de equipos ocultos de video, controlados por satélite), lo cierto es que por primera vez un disco del grupo no se construye sobre la base de un concepto claro. Y, sin embargo, es posible que se trate del disco más regular en cuanto al sonido de The Alan Parsons Project, con su excelente tratamiento sonoro y de producción, sus cuidadas instrumentaciones, la presencia de magníficos cortes instrumentales acompañados de grandes temas cercanos al rock progresivo y sinfónico junto con retazos de pop-rock.

Canciones traducidas (Subtítulos del sonido) 

Owner of a lonely heart llegó al número uno estadounidense a los pocos días de que Yes la lanzara al mercado en octubre de 1983. La composición del guitarrista de la superbanda Trevor Rabin gozó desde el primer momento del beneplácito de público y crítica, a pesar de que el rock progresivo, tendencia musical en el que se puede encasillar, pocas veces ha sido bendecida por las ventas y la popularidad.

Los nuevos tiempos demandaban un sonido directo y efectista, alejado de la pomposidad y el artificio melódico del rock sinfónico. Evolucionar o caer en el declive eran las dos alternativas. Yes eligió la primera opción y supo adaptarse a las exigencias del público de la última década del siglo XX arrimándose a las orillas de la new wave. Lo cierto es que Owner of a lonely heart se convirtió en el single más exitoso de la larga historia de Yes, fundada en 1968.

Su letra relata la paradoja que padece el ser humano cuando se le rompe el corazón y defiende la teoría de que es mejor estar solo que con alguien que puede herir tus sentimientos. Este debate ha estado y estará abierto a lo largo de todos los tiempos de la historia del mundo. Siempre se discutirá qué es mejor, si un corazón solitario o un corazón herido.

Canciones traducidas (Subtítulos del sonido) 

A finales del año 1971, el grupo británico liderado por Alvin Lee: Ten Years After, lanzó al mercado su séptimo álbum titulado A space in time, sus seguidores en todo el mundo se llevaron las manos a la cabeza, al ver el cambio de estilo, que habían experimentado. El disco tenía un carácter mas suave, con temas mas relajados y acústicos, comparándolo con sus trabajos anteriores, se apartaba de la linea de rock blues avanzado que había caracterizado a la banda en sus primeros álbumes, durante la primera mitad de los sesenta.
Entre todos los buenos temas que forman este disco, I´d love to change the World es una soberbia canción en la que Alvin Lee, demuestra todo su potencial, combinando la guitarra acústica con la eléctrica, y marcándose unos virtuosos riffs que cortan la respiración. La letra es una dura crítica al sistema capitalista, denunciando el abismo existente entre la riqueza y la pobreza, protestando contra la guerra, la contaminación, y las injusticia.