Música y Cine (La cara oculta) 

LA AUTOPISTA AL INFIERNO DE BON SCOTT (AC.DC): Bon Scott regresó muy contento a Londres en el mes de enero de 1980. Venia de pasar unas maravillosas vacaciones de Navidad en Australia. Siempre estaba de buen humor, aunque la botella bailaba entre sus manos como un maniquí dispuesto a danzar lo que más le convenía. Los hermanos Young, Malcolm y Angus, dispusieron que se empezaría a grabar el nuevo álbum de AC/DC, la continuación al maravilloso HighwaytoHell. BonScott vivía en aquel tiempo en Ashley Court, disfrutaba de su nuevo amor, pero seguía siendo un esclavo de la heroína. El 15 de febrero de 1980, BonScott llegó a los estudios Battery. Bon casi siempre estaba drogado, y en lugar de utilizar su voz, se puso a la batería para hacer las maquetas de dos temas que Malcolm y Angus ya tenían preparadas. Bon no volvió a los estudios, a pesar de que Malcolm y Angus Young seguían trabajando con el productor 'Mutt' Lange. Bon se dedicaba a pasarlo bien. La tarde de 18 de febrero de 1980, tres días después de trabajar por última vez con AC/DC, Bontelefoneo a su vieja novia Silver. Necesitaba mas droga. Por interés le pidió que lo acompañara a ver una banda en la que estaba interesado y que actuaba en el Dingwalls de Camden. Silver no quería volver a verlo y declinó la invitación. Le recomendó a un tipo llamado AlistairKinnear. Pero ni BonniAlistair llegaron nunca al Dingwalls. Antes habían pasado por el club Music Machine para aprovisionarse. El club, al que llamaban también Koko, no estaba muy lejos del Dingwalls. Lo que sucedió a partir de las nueve de la noche de ese lunes nunca se aclaró lo suficiente. Siguen las sombras, las sospechas, el olor a tragedia. Lo cierto es que, oficialmente, solo conocemos la versión de Alistair.
Alistair aseguró a la prensa y a la policía que en el club Koko, BonScott ya estaba absolutamente borracho y que apenas se podía mantener en pie, así que lo metió en su coche, un Renault 5 de aquella época. Según la versión de Alistair, transportó al borracho y semi-inconsciente Bon donde vivía, no muy lejos de Stockwell, en el sur de Londres. Alistair aparcó el coche justo en la puerta de su casa, en el número 67 de la calle OverhillRoad. Bon parecía inconsciente. No respondía a las bofetadas de Alistair. Así que prefirió dejarlo durmiendo en el Renault 5. Le puso una manta por encima, con una nota, en la que decía que cuándo se despertara lo llamara a su piso. En el mes de febrero, en la noche londinense, con un frío de esquimales y con el pobre Bon, que era asmático, no debió durar mucho. Dijo Alistair que durmió toda la noche del lunes, la mañana del martes y que no se despertó hasta pasadas las cinco de la tarde. Bajó al coche a las ocho menos cuarto de la noche y encontró la BonScott muerto. Según la versión de Alistair, llamó a una ambulancia que transportó el cuerpo sin vida de BonScott al hospital King College. Por supuesto, un médico certificó su defunción. Como en el caso de Jimi Hendrix, exactamente con la misma certificación forense que la del guitarrista. El médico certificó la asfixia pulmonar de Bon, al no poder expulsar su vómito, debido a las cantidades ingentes de alcohol en sangre. Tenía tan sólo 33 años. Hay tantas contradicciones sobre la muerte de Bon que es imposible saber después de tantos años lo que pasó aquella noche. Se dijo que el tal Alistair era un tipo inventado por el entorno de AC/DC y que nunca existió o tenía otro nombre. ¿Por qué desapareció?.

Malcolm y Angus Young, los líderes de AC/DC se hicieron cargo del cadáver. No dijeron absolutamente nada. Se dedicaron a buscar un sustituto de Bon, que sería Brian Johnson. Los hermanos Young dedicaron dos temas del Backin Black a la memoria de Bon: HellBells, y la canción que daba título al álbum. El cadáver de Bon fue embalsamado y, luego, incinerado. Las cenizas viajaron al cementerio de Fremantle, Australia del Oeste, donde en el año 1956 había llegado su familia en la búsqueda de un mejor mundo, cuando Bon solo tenía 10 años. Bon había nacido en Escocia y fue en sus primeros años un pobre emigrante en el continente austral en la búsqueda de oportunidades. En la actualidad, ese cementerio en Frementle es el mas visitado de Australia, aunque hace seis años alguien robó la placa de su tumba. Fuente: Las aventuras de JR- El Mundo. 

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La icónica cantante del grupo The Mamas & The Papas, que rompió barreras en la industria musical de la época al triunfar mientras desafiaba los cánones de belleza establecidos, fue víctima, sin embargo, de la discriminación más cruel y generalizada por razones de peso. Una bofetada perpetuada por los bulos y las bromas casi 50 años después de su fallecimiento.

‘Mama’ Cass –nacida como Ellen Naomi Cohen– solo tenía 32 años en aquel julio de 1974. A pesar de su temprana edad, la joven de Baltimore ya se había convertido en un icono contracultural de los sesenta a nivel global y emblema del movimiento hippie gracias a su rol como vocalista de la banda responsable de éxitos como California Dreamin’ o Monday Monday. Había sido madre soltera y se había casado y divorciado en dos ocasiones –la primera para ayudar a un amigo a no ser reclutado para ir a la guerra de Vietnam– y tras la disolución del grupo vislumbraba una prometedora carrera como cantante en solitario. La gira arrancaba con una serie de conciertos en Londres, dos semanas con todas las entradas ya vendidas. La tarde del 28 de julio, mientras se echaba una siesta en su apartamento del barrio de Mayfair antes de acudir al teatro, Elliot falleció a causa de un ataque al corazón. Como buena estrella del rock, no tardaron en diseminarse rumores a cada cual más loco sobre su muerte: que si esperaba un bebé de John Lennon, que si era un complot del FBI… Pero el hallazgo de un sándwich de jamón en su mesita de noche a medio terminar dio pie a un chisme que no solo caló en los medios de la época, sino que casi medio siglo después sigue teniendo que ser desmentido: Cass Elliot, que se había atrevido a desafiar los cánones de belleza durante su carrera, murió atragantada mientras se comía un sándwich.

Como si del castigo al pecado capital de la gula se tratase, el público no dudó en dar pábulo y aceptar como válido el rumor. Daba igual que medios como el New York Times lo desmintieran apenas unos días después por voz de los especialistas que la trataron, era ‘lógico’ que una de las mujeres con obesidad más famosas de su tiempo fuera una glotona, que devorara los alimentos y que, por tanto, se atragantara con uno de ellos. Se convirtió en el objeto de todos los chistes. “Para mi familia ha sido muy difícil lidiar con el rumor del sándwich. Es como una última bofetada a la señora gorda. La gente se cree que es gracioso. ¿Dónde está la maldita gracia?”, se preguntaba Owen Elliot, única hija de la cantante, en The Guardian. Un vistazo rápido por las redes sociales ratifica que las bromas respecto al infundio siguen vigentes hoy en día, aunque las nuevas generaciones parecen querer hacer justicia: Make Your Own Kind Of Music, su mayor hit en solitario y que ya fue recuperada por la serie Lost (Perdidos), es hoy un repentino exitazo en TikTok con ciertos de usuarios utilizando este himno como banda sonora de sus vídeos.

La estadounidense había tenido que enfrentarse durante toda su carrera a una gordofobia cruel, constante y generalizada. Ella trataba de esconderlo bajo una capa de humor, según recuerda  su amiga Sue Cameron. “Para Cass era horrible ser denominada como ‘la gorda’ de The Mamas & The Papas mientras que Michelle (Phillips, la otra vocalista) era ‘la guapa’. La gente le decía eso a Cass a la cara y ella tenía que tragárselo y sonreír”. Era el objeto del chiste hasta en las canciones de su propia formación y las malas lenguas dicen que, en los comienzos, no querían contar con ella por su sobrepeso. “Nadie está engordando excepto Mama Cass”, cantaban en su tema de 1967 Creeque Alley. El fundador del cuarteto, John Phillips, confesó que la presión social por adelgazar hacía mella en Cass y la llevaba a someterse a dietas tan extremas como peligrosas, que acabarían deteriorando sin remedio su sistema cardiovascular. En 1968, tras hacer ayuno durante cuatro días a la semana y perder hasta 55 kilos, Elliot acabó ingresada en el hospital. “He sido gorda desde los siete años y eso te marca de por vida”, llegó a afirmar.

La propia Sue Cameron, que trabajaba entonces como periodista para The Hollywood Reporter, fue la responsable de escribir el artículo que relacionaba el sándwich de jamón con la muerte de su amiga. Lo hizo por encargo del representante de la cantante, Allan Carr, que trataba de salvar la reputación de la artista y huir así de hipótesis que relacionaran su fallecimiento repentino con el consumo de drogas. En la autopsia no se encontraron restos de estupefacientes, tampoco de alimentos en la boca o tráquea. “Mucha gente hoy en día sigue sin darse cuenta de que lo del sándwich no es verdad. Aunque he repetido y escrito que era mentira, sigue circulando. Nunca pensé que iba a extenderse durante tanto tiempo”, se excusó Cameron.

A pesar del escarnio social al que tuvo que enfrentarse, Mama Cass no solo se alzó con su voz angelical a los cielos de la escena folk, también se convirtió en un referente de la estética boho-chic y rompió las barreras de la normatividad en la industria, cimentando el camino para sucesoras recientes como Adele o Lizzo. No muchas se atrevían en la década de los sesenta a posar desnudas y tatuadas en las portadas de las revistas, dejando un impacto más que “significativo” en las adolescentes con problemas de peso de su época. Que una mujer famosa mostrara su sobrepeso en los medios de comunicación sin arrepentimiento o constricción suponía un atentado contra la moralidad de la época. Así lo confirma la periodista Lexi Pandell en la edición estadounidense de la revista Vogue: “Cass Elliot fue una mujer muy adelantada a su tiempo. Expresó ideas sobre la maternidad, el sexo, la celebridad y la feminidad que incluso hoy en día algunas serían calificadas somo radicales”. Su influencia fue reconocida para la eternidad el pasado mes de octubre, cuando se inauguró su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood casi 50 años después de su muerte. (Fuente: El País).

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A Tony Visconti se le cayó el alma a los pies cuando empezó a escuchar las cintas. Había aceptado producir un disco en directo de sus amados Thin Lizzy. Las cintas estaban a diferentes velocidades y algunas incorporaban el sistema Dolby, pero otras no. Un desastre. Finalmente, consiguió seleccionar algunas canciones. Entonces llegó Phil Lynott, líder de la banda y dijo que aquello no le convencía. Fue cuando se urdió una trampa para sacar adelante Live and Dangerous (1978), considerado por publicaciones como Classic Rock el mejor álbum en directo de todos los tiempos, un trabajo que se reedita estos días en una lujosa caja de ocho compactos con mucho material adicional.

Thin Lizzy llevaba ya tres buenos trabajos en estudio cuando se planteó el directo: se les pusieron los dientes largos cuando comprobaron el éxito de Peter Frampton con Frampton Comes Alive! (1976). Creían que ellos también podrían lograrlo. El alma de los Lizzy era Phil Lynott, cantante, bajista y compositor, nacido en Inglaterra de madre irlandesa y padre nacido en la Guayana británica. Su progenitor los abandonó cuando él tenía unos meses y un Lynott con siete años se fue a vivir a Dublín con su abuela. De piel mulata y pelambrera afro, fue un niño aturdido por una permanente sensación de ausencia. El escritor y periodista Tito Lesende, autorlo describe así: “Leía a Albert Camus, se peleaba con asiduidad, escuchaba a Frank Sinatra y rezaba en la iglesia con su familia”. Sus canciones hablaban de pandilleros, héroes irlandeses y de tipos duros magullados por el desamor.

Para ensamblar Live and Dangerous, Visconti recibió cintas de conciertos de Londres en 1976 (en el mítico local Hammersmith Odeon) y de Filadelfia en 1977. Cuando lo tenía listo después de una labor que el productor definió como “de pesadilla” por la falta de calidad de la grabación, llegó Phil Lynott. “Corregimos un par de notas de bajo en el estudio y entonces Phil dijo: ‘Queda muy bien, ¿qué te parece si vuelvo a tocar todo el bajo del disco?”, cuenta Visconti en sus memorias. Luego quiso lo mismo para la voz y para algunas guitarras. A lo largo de los años, el productor ha puesto la siguiente horquilla: entre el 50 y 75% de Live and Dangerous se regrabó. Los guitarristas de álbum, los virtuosos Brian Robertson y Scott Gorham, afirman que Visconti exagera, pero no niegan los abundantes retoques. Un corta y pega que, por otra parte, se realizaba en muchos directos, aunque el caso de Thin Lizzy resulta llamativo por el alto porcentaje de maquillaje y por ser un disco tan legendario.

 

El periodista y escritor inglés Michael Hann, colaborador de The Guardian o Rolling Stone y autor del libro sobre la historia del heavy metal británico Denim and Leather, escribió: “Para algunos, Live and Dangerous está desacreditado por la sospecha de que gran parte del álbum se regrabó en el estudio. Pero ¿realmente importa eso? Suena como si asistieras a un espectáculo de rock emocionante, ruge desde los altavoces hacia tus oídos de una manera que te hace sentir como si estuvieses en las butacas del Hammersmith Odeon”. Lesende añade: “De las grabaciones originales escuchamos con seguridad la batería y el sonido del público. El resto ya no se puede asegurar. Quizá haya sido rehecho con injertos de estudio. Está claro que está amañado, pero ¿qué más da? A otros les habría quedado un disco meme, pero está tan bien producido que refleja mejor un concierto de Thin Lizzy que las grabaciones originales”.

La clave para conseguir ese sonido tan de directo se debió a que Visconti instaló el equipo de escenario en el estudio. Incluso puso en el bajo de Lynott un transmisor de radio para que pudiera moverse en el estudio como lo hacía en un concierto. Además, el cantante le dijo al productor que quería sentir los decibelios retumbando bajos sus pies, como en una actuación. Luego, se realzaron los gritos del público grabados en los conciertos. Así se consiguió imitar el avasallador sonido del directo.

La colección de canciones es soberbia: las rudas Jailbreak o Massacre; la balada Still In Love With You; la maravillosa Cowboy Song; el clásico The Boys Are Back In Town; o el irresistiblemente rock trotón Don’t Believe A Word. Las guitarras de Robertson y Gorham van trenzando solos, estilo que influiría tanto a Iron Maiden; la pasional y profunda voz de Lynott funciona más como un narrador que como un cantante, y su bajo se inmiscuye en terrenos del funk dotando a las canciones de un ritmo especial. Unas características que diferenciaron a los irlandeses del resto de las bandas de su generación.

Otro de los interrogantes de esta historia es por qué Thin Lizzy no trascendieron más. Musiesa ofrece una clave: “Surgen a medio camino entre los grandes monstruos del rock duro de comienzos de los setenta Black Sabbath, Deep Purple, Led Zeppelin — y entre la nueva ola del heavy británico de finales de los setenta —Iron Maiden, Saxon...—. Es decir, alcanzan su máxima popularidad en un momento, mediados de los setenta, en el que el género vivía un periodo de transición y en el que no pasó por sus momentos de mayor popularidad”.

El mismo año (1978) de la edición de Live and Dangerous las fricciones entre Lynott y el guitarrista, Brian Robertson, provocaron la marcha de este último. En 1983 el grupo se separó. Tres años después, el 25 de diciembre de 1985, Lynott ingresó en un hospital después de un atracón de heroína y alcohol. Murió el 4 de enero de 1986. Tenía 36 años. (Fuente: El País). 

 

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Cuando Leonardo DiCaprio rodó Titanic, tenía 22 años, era considerado uno de los hombres más guapos del mundo, tenían un talento desbordante y ya era una estrella de Hollywood. Parece complicado que no se te suba a la cabeza. Por suerte para él, siempre hay gente como James Cameron quien, antes de Titanic, ya había arrasado con Terminator, Terminator 2 o Días Extraños, para bajarle un poco los humos.

Y es que, tal y como ha contado el director a GQ, Leonardo DiCaprio estuvo a nada de perder el papel de su vida y no interpretar a Jack en la gloriosa película del barco más famoso de la historia de Hollywood. Por si alguien no lo recuerda, Titanic fue la película más taquillera de la historia hasta 2009, cuando el propio James Cameron estrenó Avatar. 

Cameron ha viajado en el tiempo al momento del casting para Titanic. La productora tenía claro que su pareja protagonista serían Kate Winslet y Leonardo DiCaprio pero James Cameron quería grabarles juntos para confirmar lo que todos presuponían, que había entre ambos la química adecuada.

Actor y director ya se habían reunido una vez y, como recuerda Cameron, “todas las mujeres de la oficina estaban en la reunión. Todas querían conocer a Leo“. Y ojo, que el director reconoce que el magnetismo de aquel chaval de 22 años era tremendo. “Fascinó a todos los presentes, incluido a mí“, confiesa, refrendando que la decisión de darle el papel de Jack había sido todo un acierto.

Pero dos días más tarde, volvieron a llamar a Leonardo DiCaprio para leer junto a Kate Winslet. “Yo tenía la cámara configurada para grabar pero él no sabía que iba a hacer la prueba. Pensó que era una reunión para conocer a Kate, hasta que le dije que iríamos a recitar algunas líneas y que les grabaría en vídeo, a lo que Leo le dijo que él no leía“, a pesar de su nombre.

La reacción de James Cameron fue de auténtico jefe de Hollywood. “Le estreché la mano y le di las gracias por venir“. El director tenía claro que si Leo no grababa, no sería Jack. Por suerte, Leonardo DiCaprio se lo pensó dos veces. “Espera. Si no leo, ¿me quedo sin papel?”, le preguntó el actor. La respuesta de James Cameron, de nuevo, de jefazo. “Por supuesto. Esta es una película gigante que me va a llevar dos años de mi vida. Tú te irás a hacer otras cinco cosas, mientras yo estaré en postproducción. Por tanto, no voy a joderlo con la decisión equivocada de casting. Así que, o lees, o no tiene el papel“. Meridiano.

Leonardo DiCaprio accedió y en cuanto escuchó la palabra acción, “se convirtió en Jack“, en ese momento lo tuvo clarísimo: “Está bien, él es el chico”. (Fuente: zeleb.público)  

 

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El 26 de marzo de 1965, durante la primera gira de los Rolling Stones por Escandinavia, Mick Jagger, Brian Jones y Bill Wyman vieron de cerca la muerte cuando todos ellos recibieron simultáneamente una descarga eléctrica por culpa de un micrófono defectuoso mientras estaban ensayando en el Fyens Forum de Odense, la tercera ciudad más grande de Dinamarca. El primero en recibir la descarga fue Mick Jagger, quien aturdido y tambaleándose por el escenario tocó al guitarrista Brian Jones y este conmocionado retrocedió hasta Bill Wyman, quien cayó fulminado inconsciente, siendo este último el más afectado por la descarga eléctrica. El promotor del concierto explicaría más tarde que Wyman se salvó porque Mick Jagger desconectó accidentalmente el enchufe principal mientras se tambaleaba por la conmoción por el escenario. Finalmente los tres se recuperarían y el resto es historia. (Fuente: Anecdotario del Rock).

Rolling Stones Denmark 1965

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• Kurt tuvo la idea original del tema inspirado por The Pixies

Tal y como él mismo declaró en varias ocasiones, Kurt Cobain fue el creador del tema, consiguió componer improvisando con la banda. Aparentemente, el músico buscaba componer "la canción de pop definitiva", lo que para él, en resumen significaba plagiar a The Pixies. Los miembros de la formación, a lo largo de los años, han declarado que la canción les parece muy buena y que no creen que haya ningún tipo de copia en ella.

• La idea del título de la canción tuvo consecuencias inesperadas

La primera vez que Kurt leyó la frase "Smells Like Teen Spirit" fue porque Kathleen Hanna, la cantante del grupo Bikini Kill, se lo pintó al músico en su dormitorio después de una noche de fiesta. La frase, para ser más exactos decía: "Kurt smells like teen spirit". Lo que no sabía Kurt es que era una referencia a que él salía con Tobi Vail, otra de las componentes de la banda, que llevaba un desodorante de la marca Teen Spirit. 

El cantante y guitarrista no sabía esto y se lo tomó como un halago, hasta que seis meses después decidió coger la frase y convertirla en el título de la canción. ¿Qué pasó cuando salió y se convirtió en un éxito? Pues, que la marca de desodorantes consiguió vender muchísimo más y se hizo de oro.

Esta fue la canción que definió el género y uno de los primeros hits "alternativos" de la historia, llegando a cambiar también el significado de la palabra. Con la salida de aquel hit, el primer tema del 'Nevermind', todo cambió en la historia de la música y del rock.

• El videoclip tardó 12 horas en rodarse

El 15 de agosto de 1991 actuó Nirvana en el Roxy, en el famoso Sunset Trip de West Hollywood. El tema era la tercera canción que iban a tocar, y mientras estaban interpretándola, comenzaron a recibir los espectadores invitaciones para participar como extras en el rodaje del video musical.

En el folleto aparecía el siguiente mensaje: "Nirvana te necesita para aparecer en su próximo videoclip, “Smells Like Teen Spirit". Debes tener entre 18 y 25 años para poder interpretar un personaje de instituto, es decir, preppy, punk, nerd, jock..."

Pese a ser aparentemente fácil de grabar, el director Samuel Bayer se puso muy exigente con la grabación del videoclip. Tras reclutar, dos días antes, a decenas de personas para participar, tanto la banda como los extras pensaban que sería cuestión de media hora. Sin embargo, la cosa no fue así y la jornada se hizo cada vez más larga, mientras la banda tocaba la canción una y otra vez.

Al final, los extras estaban hartos y la banda furiosa. Cuando se acercaba la hora de terminar, los componentes de Nirvana pidieron al director destruir el set. Bayer aceptó y todo el mundo se puso manos a la obra. Esto generó un final apoteósico para la pieza musical.

• MTV no quería emitirlo... y acabó poniéndolo a todas horas

En un principio, MTV se negó a emitir el videoclip de la canción para luego ponerlo, solamente, en un programa de música alternativa con poca audiencia. Cuando se convirtió en un hit, a la cadena no le quedó más remedio que ponerla a todas horas. Seguramente, todavía lo has podido ver en el canal.

• Tiene la peor versión de la historia según la revista Rolling Stone

La peor versión de la historia de esta canción está grabada por la mismísima Miley Cyrus. La actriz y cantante de pop que se hizo conocida por su personaje en Hannah Montana no consiguió encontrar su lado más cercano al rock. Desgraciadamente, hizo una versión que destrozó el tema. 

No deja de ser irónico que, odiando Kurt Cobain el mainstream, tantos artistas de ese panorama acabaran haciendo versiones de su música. (Fuente: RockFM).

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El día que Ginger Baker quemó una grabación master de los Bee Gees. El 7 de junio de 1969, los cuatro miembros del supergrupo Blind Faith, Ginger Baker, Rick Grech, Steve Winwood y Eric Clapton, se encontraban en las oficinas de su mánager Robert Stigwood en Londres, haciendo tiempo antes de salir hacia Hyde Park, uno de los parques mas grandes de Londres, donde iban a dar su primer concierto. Ginger Baker, aburrido de la interminable espera, aprovechó la ausencia de Robert Stigwood para buscar algo en el despacho con lo que hacer mas amenas aquellas horas de descanso. En un cajón encontró una caja que contenía una grabación master de otro de los grupos representados por Stigwood, los Bee Gees, preparada para su inmediato lanzamiento al mercado. Ginger, sin pensarlo dos veces, le prendió fuego ante las risas de sus compañeros de grupo. De pronto se oyeron los pasos de Stigwood, quién por fín iba a buscarlos, y Ginger, sin inmutarse, volvió a guardar la caja con la cinta totalmente inservible en el cajón. Después, todos juntos partieron hacia Hyde Park, donde dieron un concierto memorable ante mas de 100.000 personas. Pero debido a la travesura de Ginger, a quién a menudo se le ha denominado como el mas grande batería del mundo, el nuevo disco de los Bee Gees "Cucumber castle", no pudo ser editado hasta mayo de 1970, casi un año despues. (Fuente: El anecdotario del rock). 

 

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Los olvidados autores de la "mejor canción de todos los tiempos". Quentin Tarantino es eterno candidato a las listas de cineastas controvertidos, pero ningún melómano le reprochará que desempolvase Stuck in the Middle With You, un clásico de 1972, como uno de los temas centrales para Reservoir Dogs. Aquella pieza adictiva (“la mejor canción de todos los tiempos”, según Paul Simon) había sido definida por la revista Rolling Stone como “el mejor single que podría haber escrito Dylan desde 1966”, pero en su día no superó el número 6 en las listas estadounidenses y, entrados en los noventa, solo los más avispados la conservaban en su santoral. La maniobra insufló vida eterna al tema (en origen, una andanada contra los mánagers sin escrúpulos) y descubrió a varias generaciones el nombre de Stealers Wheel, la que pudo y debió haber sido una de las mejores bandas escocesas de todos los tiempos. Todo acabó saliendo bastante mal, pero las canciones perviven.

El tándem que integraban Gerry Rafferty y Joe Egan, amigos de infancia en la tosca ciudad de Paisley (periferia de Glasgow), permaneció en activo entre 1971 y 1975 y encontró tiempo para grabar tres álbumes: Stealers Wheel (1972), Paisley Park (1973) y Right or Wrong (1975). Todos ellos fueron muy difíciles de localizar durante largos años, en particular el tercero, pero una caja que los recupera ahora de manera conjunta —con el añadido de tres temas para la BBC— se ha convertido en una de las ambrosías recientes más apreciadas entre los coleccionistas de pop clásico. Y no es para menos, porque Egan y Rafferty lo tenían todo para erigirse en la respuesta europea a los Everly Brothers o Crosby, Stills, Nash & Young. Solo que múltiples factores se alinearon en su contra: colisiones de egos, excesos con el alcohol, músicos de estudio poco motivados, problemas de salud.

La bebida se convirtió pronto en el talón de Aquiles de Gerry, hijo de un minero alcohólico y violento. De niño, tenía que esperar en la calle a que su padre se quedara dormido para subir a casa: el espectáculo era muy poco edificante escaleras arriba. Cuando murió a los 63 años de un fallo de hígado, en enero de 2011, la adicción había menguado seriamente sus finanzas. Y eso que solo Baker Street (1978), el enorme éxito de su primer LP solista tras Stealers Wheel, le proporcionaba unos 90.000 euros anuales en concepto de derechos de autor.

Entre 1975 y 1978, ni Rafferty ni Egan, los dos hasta entonces amigos de infancia, pudieron publicar ningún trabajo discográfico, enzarzados en disputas legales por el legado de Stealers Wheel. De hecho, el canto de cisne del dúo, Right or Wrong, se publicó con la banda ya disuelta y solo para liquidar los compromisos contractuales con el sello.

Pero casi nadie les prestó suficiente atención. Rafferty lidió con una depresión que le hizo abandonar durante varios meses la banda entre el primer y el segundo disco. Las tensiones con Leiber y Stoller estallaron cuando estos se empeñaron en convertir Everything Will Turn Out Fine en un sucedáneo de Stuck in the Middle, palmadas incluidas. La maravillosa Star, del segundo álbum, no pasó del puesto 25 en listas. El autor de Star, Egan, se estrenó en solitario con menos impacto que su compañero (Out of nowhere, 1979), aunque la canción Back on the Road llegó a ser bastante tarareada. Tras el fracaso del segundo disco, el extrañamente anodino Map (1981), se retiró de la circulación para regentar en Renfrewshire un negocio editorial. Una opción respetable, pero frustrante tras haberle escuchado preciosidades como No Time For Sorrow, Freeze o The Last Farewell. Otra prueba de que casi todo, en lo tocante a Stealers Wheel, desembocó en frustración. (Fuente: El País).

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Los gazapos en el cine son algo habitual. Hablamos de producciones complejas, que conllevan muchas tomas y repeticiones, por lo que es normal que, de vez en cuando, aparezca un error de continuidad -y no queda más remedio que atribuírselo a un mago-. Encontrarlos es una actividad genial para los espectadores, especialmente cuando están tan ocultos que tardan en ser descubiertos. En el caso de Jurassic Park hay un fallo en concreto que ha tardado 27 años en salir a la luz. O, al menos, no se había compartido públcamente hasta hace poco.

Un usuario de Reddit compartió hace unos años el increíble hallazgo que hizo en la enésima vez que veía la película. En cierto momento hay un raptor que abre la puerta para entrar en la cocina y, cuando se queda parado en el quicio de la puerta, puedes ver cómo un operador extiende la mano para cogerle la cola.

Es muy probable que en estos 30 años alguna persona más se haya dado cuenta de este detalle, pero el post de Reddit, publicado hace unos años, recibió un buen número de reacciones de gente sorprendida por haberse dado cuenta tan tarde cuando está tan a la vista. Como imaginarás, no es el único error de la película. Según IMDb, Jurassic Park cuenta hasta 341 gazapos y fallos del estilo. (Fuente: Sensacine).

 

 

 

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En 1971 John Lennon escribió una carta a un desconocido músico británico llamado Steve Tilston que llegó a su destinatario con 34 años de retraso, en el año 2005. En la carta, que también iba firmada por Yoko Ono, el Beatle le daba consejos a este hombre que, a pesar de no ser conocido estaba preocupado por si la fama y el dinero podían influir negativamente en las letras de sus canciones. Lennon quiso contactar con él después de haber leído una entrevista que le hicieron en la revista ZigZag en la que ponía de manifiesto esa preocupación. En la misiva le decía que estuviera tranquilo porque el éxito no amenazaría su habilidad como compositor: "Ser rico no cambia tu experiencia en la forma en que piensas. Básicamente, la única diferencia es que no tienes que preocuparte por el dinero, la comida, el techo, etc., pero todas las demás

experiencias, emociones, relaciones, son las mismas que cualquiera. Yo lo sé, he sido rico y pobre, al igual que Yoko. Así que, ¿Que te parece a tí? Con cariño, John y Yoko". Al parecer, la carta se perdió porque John Lennon la envió a las oficinas de la revista ZigZag para que se la entregaran a Tilston, pero en su lugar alguien de la revista la vendió y acabó en manos de un coleccionista estadounidense, quien en el 2005 se puso en contacto con él para averiguar si era la persona a la que se refería John Lennon en la carta. Steve Tilston, por desgracia para él, nunca llegó a ser lo suficientemente rico o famoso como para saber si Lennon tenía razón. 

Esta carta fue la inspiración para la película de 2015 titulada Danny Collins, dirigida por Dan Fogelman (This is us) y protagonizada por un elenco extraordinario encabezado por Al Pacino, Annette Bening, Jennifer Garner y Christopher Plummer.

Al Pacino interpreta al envejecido rockero de los 70 Danny Collins, que a pesar de su edad no puede renunciar a su vida llena de excesos. Pero cuando su manager  le descubre una carta sin entregar que le escribió John Lennon 40 años atrás, decide cambiar de rumbo y embarcarse en un inspirador viaje para redescubrir a su familia, encontrar el amor verdadero y comenzar un segundo acto.

 

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A mediados de los 70, los ZZ Top se tomaron un respiro de tres años para que sus miembros no acabaran quemados y la banda desgastada, tiempo durante el cual el bajista Dusty Hill trabajó en un aeropuerto porque quería sentirse una persona normal de nuevo. Lo sorprendente del caso fue que, aunque en ese momento ZZ Top tenían tres discos de oro y eran bastante conocidos, muy poca gente reconoció a Dusty Hill en su nuevo trabajo. En aquellos días, Hill aún tenía la barba corta y no le resultó muy difícil pasar desapercibido. Cuando iba a trabajar se quitaba el sombrero, se ponía la ropa de trabajo y se colgaba la credencial del cuello en la que podía leerse su primer nombre, Joe, y de esa guisa muy poca gente fue capaz de reconocerlo. Cuando esto ocurría y algún viajero le preguntaba si era Dusty Hill, el multimillonario bajista de los ZZ Top disimulaba diciendo: ¡No! ¿Crees que si fuera él estaría sentado aquí?. (Fuente: Anecdotario del Rock).  

Música y Cine (La cara oculta)

Philip Taylor Kramer fue un bajista del grupo estadounidense de rock Iron Butterfly, famoso entre los años 60 y 70 y compositores de mítico tema In A Gada Da Vida. Nacido en 1952, años más tarde estudió ingeniería aeroespacial, convirtiéndose en uno de los más talentosos de ese país.

A este científico se le debe, entre otros avances, el sistema de guía de los misiles MX, eje central del sistema de defensa norteamericano en la época de Ronald Reagan, y las redes de fibra óptica usadas en todo el mundo.

A la edad de 38 años, ya tenía un recorrido que le había puesto en un nivel alto de investigación, esto lo llevó a hacer parte de la empresa Multimedia Inc, dedicado exclusivamente al desarrollo de técnicas de compresión de datos de CD-ROM Con su talento fue capaz de comprimir un video por primera vez en la historia en 1992.

En 1994 se dedicó a la física teórica y anunció que trabajaba en un importante proyecto que tenía como objetivo desmostar que se podían transmitir datos más rápido que la velocidad de la luz y que podrían llevar a la humanidad a obtener avances gigantescos en la velocidad de las comunicaciones.

Un cierto día informó a su familia que lo había logrado. Que había logrado transmitir información y materia más rápido que la velocidad de la luz, dicen que encontró la clave para la creación de los ordenadores cuánticos, existentes solo en teoría.

Taylor Kramer inició la búsqueda de financiación para su importante proyecto, se dice que antes de su extraña desaparición, había concertado una cita en el aeropuerto de los Ángeles con alguien interesado en su estudio, esto fue en febrero de 1995. Los familiares del científico contaron a los medios de comunicación que él había hecho varias llamadas comentando con gran miedo, que “ellos lo sabían”, “que le perseguían” y cosas por el estilo. Philip Taylor desapareció sin dejar rastro hasta mayo de 1999 cuando un grupo de excursionistas, encontró sus restos óseos al interior de su vehículo, un Ford Aerostar minivan abandonado en el fondo del Cañón Decker cerca de Malibú, California. A la fecha no se sabe qué le ocurrió a este brillante cerebro de la física teórica.

Este tipo de crímenes contra científicos que avanzan en estudios que podrían desarrollar energías alternativas u otras investigaciones se presentan más frecuentemente de lo que la gente imagina.

Las muertes de estos y otros científicos y microbiólogos se produjeron algunas en ataques no esclarecidos, como atracos en donde no se robaron nada, incluso uno de ellos fue asesinado con un bate de beisbol en su propia casa, el día en que iban a dar a conocer una de sus investigaciones.

Música y Cine (La cara oculta)

1. El cantante de Kiss se injertó una lengua de vaca

Como cuenta en su autobiografía, Simmons posee una lengua de gran tamaño que “me ha sido muy útil en mis relaciones sexuales”. Una lengua que enseña en los conciertos del grupo, al tiempo que muerde una cápsula que hace brotar un líquido muy parecido a la sangre. Pero el propio Simmons ha aclarado que nada de injertos: “Nací con esa inmensa lengua”. O sea: lo de la lengua bovina fue sin duda fruto de la imaginación de sus fans.

2. Elvis está vivo, que lo he visto yo

La muerte de Elvis Presley fue verificada por los médicos del Hospital Conmemorativo Bautista y hoy sus restos están enterrados en Graceland, su mansión de Memphis. Por ahora, nadie ha aportado pruebas irrefutables de que esto no sea cierto. El bulo que asegura que está vivo parte del hecho de que muchos de sus fans se niegan a aceptar la muerte de su ídolo, hasta el punto de creer haberlo visto pululando por espacios tan dispares como un supermercado de Cambridge, una gasolinera de Montana, un Pizza Hut de Southhampton o una oficina de Oslo.

3. Courtney Love mató a Kurt Cobain

La autopsia dejó claro que “todo indica que se trata de una lesión autoinflingida”. Un mes antes, Kurt ya había intentado suicidarse tragándose 60 pastillas de Rohipnol regadas con champán. Por si fuera poco, Cobain pretendía titular su último disco Me odio a mí mismo y me quiero morir. Probablemente la leyenda fue difundida por los seguidores más ultras de Cobain, que odian a Courtney: la llaman “la Yoko Ono del grunge”.

4. 'Hotel California', de los Eagles, es una canción satánica

Según los miembros del grupo, en la foto de la portada no sale Lavey (el fundador de la Iglesia de Satán) por ningún lado. En cuanto a la canción, Don Henley que la escribió, ha explicado que solo trata de reflejar el clima decadente de la escena rockera de Los Ángeles en un momento en el que drogas como la cocaína eran omnipresentes.

5. Mama Cass murió atragantada con un sándwich de jamón

Según la autopsia, Mama Cass (Mamas and the Papas) murió a causa de un fulminante infarto, fruto de su vertiginoso estilo de vida y su obesidad. Y no, no se encontró en su tráquea rastro alguno de comida. La leyenda partió de un malentendido entre la policía y la prensa: se informó a los periodistas que se había encontrado un sándwich a medio comer junto al cadáver de la cantante, pero que aún habría que hacer la autopsia para comprobar la causa de la muerte. Algunos medios, ansiosos por dar carnaza, soltaron en bulo. 

6. Paul McCartney murió y fue sustituido por un doble

El rumor nació en un programa de radio de Michigan: un oyente llamó al DJ y dijo que Paul estaba muerto y la prueba se escondía en el White Album: al pinchar al revés la canción Revolution 9 se podía escuchar la frase “turn me on, dead man” (“excítame, hombre muerto”), que se supone hace referencia a Paul. Desde entonces no han dejado de aparecer “pruebas”, a cual más disparatada, de la muerte del bajista. Y eso que la agencia United Press descalificó el rumor en octubre de 1969 y, un mes después, el propio músico hizo lo mismo en la revista LIFE. Pero la leyenda no cesa, y hasta Wikileaks tuvo que desmentirla en 2015.

 

7. Disco The dark side of the moon de Pink Floyd, está sincronizado con la película El mago de Oz

Tanto David Gilmour como Roger Waters han desmentido esta leyenda urbana, asegurando que el grupo no pensó ni por un momento en El mago de Oz mientras grababa The dark side of the moon. Gilmour le echó la culpa a la fantasía de “algún sujeto con demasiado tiempo libre”. Waters fue más diplomático y reconoció haber encontrado “cierto hilo extraño” entre la película y el álbum, pero lo achacó a la más pura casualidad. 

 

Música y Cine (La cara oculta) 

Las primeras actuaciones en televisión de Red Hot Chili Peppers, U2, Def Leppard, David Bowie, Nirvana y Queen

Red Hot Chili Peppers.- El primer día que la banda más picante del planeta se enfrentó a un plató de televisión fue el 16 de marzo de 1984. Evidentemente, la cita tuvo lugar en Los Ángeles. El programa se llamaba 'Thicke of the Night' y la formación la integraban: Anthony Kiedis, Flea, Jack Sherman y Cliff Martinez. El tema elegido fué Get Up And Jump.

  
U2.- El debut de U2 en la tele fue el 2 de marzo de 1978, en el programa 'Youngline'. Tal y como el presentador Conor McAnally explica, acababan de cambiarse de nombre. Antes eran The Hype. Optaron por U2 al ganar un concurso de talentos en Limerick el 17 de marzo. ¿El tema que eligieron para que el mundo les conociera? Street Mission.

Def Leppard.- El programa de televisión holandés 'TopPop', una variante del británico 'Top Of The Pops', tuvo la suerte de presentar, en septiembre de 1980, a una banda, por entonces desconocida, llamada Def Leppard. Tocaron Hello America y nos conquistaron para siempre.

 

David Bowie.- Se hace raro ver a Bowie con el pelo largo y sin una gota de maquillaje, pero no deja de ser interesante y emocionante. Y más si se trata de la primera vez que presentaba un tema suyo en televisión. Fue en el año 1970 y con el tema Space Oddity. 

Nirvana.- Si unos jóvenes que se hacían llamar Nirvana no hubieran interpretado Smells Like Teen Spirit en el programa juvenil de moda en el Reino Unido, 'The Word', lo mismo nunca hubiéramos oído hablar de Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dave Grohl. Fue en 1991. Era la primera vez que tocaban 'El himno de la Generación X' ante las cámaras.

 

Queen.- Fue en 1974 cuando Queen se presentaron formalmente al mundo dentro del escaparate televisivo británico por excelencia, el 'Top Of The Pops'. Se encontraban en un momento clave y con esta actuación lograron colarse en las listas, hacerse un hueco en la industria y consagrarse para siempre. Fue Seven Seas Of Rhye el tema que marcó el inolvidable debut de la banda.

Música y Cine (La cara oculta) 

CINCO PORTADAS DE DISCOS CENSURADAS EN LOS ESTADOS UNIDOS 

   

The Mamas and the Papas, ‘If You Can Believe Your Eyes and Ears’ (1966)

En la portada original del disco, los cuatro miembros del grupo aparecían metidos en una bañera (castamente vestidos, eso sí), junto al inevitable inodoro que suele acompañar a ésta en un cuarto de baño. Pero resulta que el inodoro era un tabú, así que fue tapado con una caja de texto y posteriormente borrado de la portada para siempre.

 

The Beatles, ‘Yesterday and Today’ (1966)

La portada del disco de los cuatro de Liverpool pretendía ser una protesta contra la guerra del Vietnam y, vista ahora, resulta bastante naif, pero en su momento levantó tanta controversia en EE.UU. que la compañía discográfica, Capitol, tuvo que recuperar las 750.000 copias de las tiendas y volverlas a empaquetar con una cándida foto de los Beatles alrededor de un baúl.

    

   

Rolling Stones, ‘Beggars Banquet’ (1968)

De nuevo un váter se topó con las resistencias de la industria discográfica. Una vez más, eran unos asilvestrados ingleses -The Rolling Stones- quienes se tomaban la licencia de incluir el vergonzante sanitario (por cierto, de un concesionario de Porsche en Los Angeles) en la portada de ‘El banquete de los mendigos’. La portada fue reemplazada con una portada en blanco que simulaba un invitación formal y la original no vio la luz hasta bien entrados los años 80.

 

 

Blind Faith, ‘Blind Faith’ (1969)

Aquí ya hablamos de palabras mayores: la portada del supergrupo de Eric Clapton y Steve Winwood posiblemente tampoco hubiese pasado la criba hoy día. En la portada original aparecía una niña de 11 años con sus incipientes pechos al aire, una indecencia que causó un auténtico terremoto en la América de la época. A la modelo original, Mariora Goschen le prometieron un caballo por posar pero se tuvo que conformar con 40 libras esterlinas.

David Bowie, ‘Diamond Dogs’ (1974)

En la portada, Bowie aparece con el torso desnudo, pintado por los pinceles del artista belga Guy Peellaert, pero al abrir el álbum, se despliega la provocación del genio de Brixton: un cuerpo de perro con un enorme pene, que fue convenientemente oscurecido en la versión que llegó a las tiendas de la puritana América.

   

Música y Cine (La cara oculta)

 

La historia detrás de 8 grandes peleas en la historia del rock y el pop

Por qué se pelearon. Según Paul McCartney, “John Lennon y yo competíamos sin parar, y eso era muy sano para nuestra creatividad”. Pero esta rivalidad creció y acabó con los Beatles en 1970. Poco después, en una demoledora carta, Lennon le echó en cara a McCartney sus ataques a Yoko Ono y se lamentó de “toda la mierda que aguantamos para ser grandes”. En su segundo disco en solitario (Ram, 1971), McCartney dedicó a John y Yoko canciones como Too many people “Demasiado gente sermoneando, no dejes que te digan lo que debes ser”. Lennon le contestó con How do you sleep? “Lo único que has hecho es Yesterday”.

Quién ganó. El baterista Ringo Starr ejerció de árbitro entre sus amigos, y propició un reencuentro cordial: a mediados de los setenta, Lennon y McCartney quedaron para cenar. Por desgracia, el asesinato de Lennon acabó con la esperanza de una reconciliación. ¿Quién ganó? Como dijo McCartney, “John murió siendo una leyenda, pero yo moriré de viejo”.

Por qué se pelearon. En 1991, cuando Slash aún era el guitarrista de Guns N’ Roses, colaboró con Michael Jackson en la canción Black or white. Axl Rose se lo tomó fatal, ya que él había sufrido abusos de niño y estaba convencido de que Jackson era pedófilo. Para vengarse, cuando grabó la versión del Sympathy for the devil, de los Stones, Axl cambió la guitarra de Slash por la de Paul Huge. Pero Slash no abandonó el grupo hasta 1996, cuando Axl compró a traición los derechos del nombre Guns N’ Roses. Desde entonces, dejaron de hablarse y desahogaron en las entrevistas lo que Slash calificó de “un odio visceral”.

Quién ganó. En 2009, un periodista le preguntó a Axl si volvería a tocar con Slash. “No en esta vida”, contestó él. En 2016, faltando a su palabra, Axl llamó a Slash para ofrecerle participar en una gira. Slash aceptó, zanjando 20 años de enemistad. La gira se tituló, precisamente, ‘No en esta vida’.

Por qué se pelearon. Durante las sesiones de grabación del álbum The Wall (1979), de Pink Floyd, Roger Waters empezó a menospreciar a sus compañeros, con una lógica egocéntrica: “No tiene sentido que Gilmour, Mason o Wright escriban letras, porque nunca serán mejores que las mías”. El éxito del disco disparó la megalomanía de Waters: baste decir que, durante la gira, dormía en un hotel distinto al del grupo. En 1985, decidió lanzarse en solitario, y quiso disolver Pink Floyd. David Gilmour se negó y Waters lo denunció.

Quién ganó. Gilmour ganó el juicio y el grupo pudo seguir trabajando como Pink Floyd. Waters se centró en una fértil carrera en solitario, que incluyó la celebración en 1990 de un multitudinario concierto en Berlín, en el que interpretó The Wall sustituyendo a sus excompañeros y por otras estrellas de rock. La tirria entre Gilmour y Waters continuó hasta que, en 2005, volvieron a juntarse para tocar.

Por qué se pelearon. El rencor entre el guitarrista de Van Halen, Eddie Van Halen, y el cantante David Lee Roth se coció a fuego lento en 1983, durante la grabación del disco 1984, en el que Eddie impuso el sonido que quería. Pese a que el disco arrasó, David dejó Van Halen para montárselo como solista y actor. “La banda tal y como la conocíamos se acabó porque Dave quiere ser estrellita de cine”, anunció Eddie.

Quién ganó. Ambos perdieron, puesto que ni David logró tanto éxito como pretendía, ni Van Halen volvió a ser igual con los cantantes que sustituyeron a David. Durante los 80 y los 90, David y Eddie intercambiaron puyas en títulos de discos y canciones. En 1996 se reunieron para una actuación para los MTV Video Music Awards… y fue un desastre. David no volvería a Van Halen hasta 2007, con los que grabó un disco y emprendió varias giras que acabaron antes de tiempo debido a las peleas: “David no quiere ser mi amigo”, bromeó Eddie.

Por qué se pelearon. Debido a los colocones y a las peleas del cantante Steven Tyler y del guitarrista Joe Perry, la grabación del disco Night in the ruts (1979), de Aerosmith, se encareció, y la banda tuvo que embarcarse en una gira para pagar los gastos. Tras un concierto, la tensión de los miembros del grupo se contagió a sus mujeres, y la esposa del bajista Tom Hamilton llegó a las manos con la mujer de Perry. Tyler le gritó a Perry: “¿Es que no sabes controlar a tu mujer?”. Y esto generó una sonora trifulca que se saldó con la disolución del grupo.

Quién ganó. Desde su primera separación, Aerosmith se han juntado y se han disuelto muchas veces. Normalmente, Tyler emprende una gira en solitario para “trabajar en mi marca”, pero vuelve al redil cuando oye que Perry está buscando nuevo cantante para Aerosmith. En 2017, la banda se embarcó en su última gira: Tyler aseguró que serían sus conciertos de despedida, pero Perry replicó que tocarán hasta la muerte. Hagan sus apuestas.

Por qué se pelearon. Con el disco Pet sounds (1966), Brian Wilson dio un giro al estilo de los Beach Boys, alejándose del surf para hacer pop sofisticado. Además, escribió unas letras que a su primo Mike Love le parecieron pretenciosas, anticomerciales o directamente “nauseabundas”, como el himno lisérgico Hang on to your ego, que al final se tituló I know there´s an answer. Con el tiempo, la rivalidad de los primos aumentó y acabaron pleiteando por los derechos de autor.

Quién ganó. El juzgado falló a favor de Mike Love, reconociéndolo como coautor de 35 canciones de los Beach Boys. Poco después, los primos volvieron a pleitear por la posesión de la marca Beach Boys, que acabó en manos de Love. En 2012, con motivo del 50 aniversario del grupo, Wilson y Love volvieron a juntarse para actuar en una gira triunfal, pero tras esos conciertos Wilson se cayó del cartel. A día de hoy, los primos siguen llevándose como el perro y el gato.

Por qué se pelearon. Nadie sabe por qué empezó la enemistad entre Keith Richards y Elton John, pero algunos apuntan al concierto de los Rolling Stones en Fort Collins, Colorado. Allí, Elton abusó de la hospitalidad del grupo actuando con ellos durante diez canciones. Sea como sea, las mofas de Richards hacia John se repitieron en varias entrevistas, en las que se burló de su elegía a la Princesa Diana y lo acusó de “postureo”, entre otras cosas.

Quién ganó. En 1997, Elton tumbó a Keith, declarando en una entrevista: “Celebro haberme apartado de las drogas y el alcohol. Sería una pena acabar como Keith Richards. Pobre diablo. Es como un mono con artritis, intentando parecer joven en el escenario. Respeto a los Stones, pero deberían haber echado a Keith hace 15 años. Siempre he pensado que es un capullo”. Richards no se calló y replicó, escueto: “Elton John parece mi abuela”. Y en 2018, que Elton ha anunciado su retirada, Richards declaró: “No lo echaré de menos”.

Cómo empezó la pelea. Las peleas entre Ray Davies su hermano Dave Davies se remontan a su más tierna infancia: “Creo que Ray solo ha sido feliz tres años en su vida, y esos fueron los tres años antes de que naciera yo”, suele decir Dave. Cuando en 1963 formaron los Kinks, las peleas se hicieron constantes: en el estudio, en el escenario, en la limusina, en una boda… Cualquier sitio era bueno para zurrarse.

Quién ganó. En 1996, Ray y Dave disolvieron a los Kinks. Ray se ha mostrado más receptivo a reunirse, afirmando que “sería genial que volviéramos a tocar juntos”. Pero cada vez que le preguntan a Dave por una posible reunión, contesta: “Quiero a mi hermano, pero no lo soporto. Una hora con Ray es el límite”. Y si alguien apela a la nostalgia, Dave reconoce que “cuando escucho a los Kinks en la radio, me emociono, hasta que pienso en cómo fueron realmente las cosas: las peleas, las palizas a la gente, acabar hechos polvo…”. A pesar de todo, los hermanos han anunciado recientemente que están grabando nuevas canciones juntos.