martes, 19 de junio de 2018

Canciones traducidas (Subtítulos del sonido) 

Black dog es uno de los temas más conocidos de la banda británica Led Zeppelin, publicada en el álbum Led Zeppelin IV, y una de las canciones más famosas de rock de la década de los 70.  Fue editado como single el cual incluía Misty Mountain Hop en la cara B. Fue el primer single del álbum y llegó al puesto 15 de las listas americanas.
La historia cuenta que el bajista John Paul Jones fue quien empezó a escribir la canción luego de escuchar el disco Electric Mud del gran Muddy Waters, ya que quedó impresionado con el sonido del bajo en varias de las canciones que contenía ese álbum.
En pocos minutos, Jones ya tenía escrita la famosa línea de bajo y el riff de guitarra, el cual fue depurado en el estudio por los dedos del maestro Jimmy Page que le incorporó varios efectos de sonido a su guitarra en la interpretación y posterior grabación. 
Los arreglos vocales están influenciados por Oh Well de Fleetwood Mac según ha admitido el propio Robert Plant. La canción también aporta influencias del rock psicodélico, esto se nota en los riffs, y el ambiente musical que recrea la alusión del "rock ácido". 
Terminada la canción, los cuatro integrantes empezaron a buscarle un título a su nueva creación. Se aportaron diversos titulos, pero nada los convencía.
Días despues, la banda se dirigía a los estudios ubicados en Grange Headley, con el fin de grabar su éxito Starway To Heaven. Ese día se les atravesó en el camino un enorme perro de color negro y Plant con sus compañeros, luego de mirarse las caras con risas y picardía, decidieron llamarle a su canción: Black Dog.
Así de simple, aunque dicho titulo no tiene nada que ver con la temática de la letra... Aunque con los Led Zeppelin nunca se sabe. 

  

domingo, 17 de junio de 2018

Películas (Una mirada diferente al cine) 

En el año 1999 el debutante Sam Mendes sorprendí­a a todos con American Beauty en donde a través de una familia de clase media que viví­a en un barrio residencial nos daba una visión cargada de ironí­a del American Way of Life.
En Revolutionary Road (2008), adapta la novela homónima escrita por Richard Yates y nos da una visión, eso sí­ dejando ironí­as a un lado, del American Dream. La historia está ambientada en los años 50 y está situada en un barrio residencial de Connecticut, ahí­ vive la pareja protagonista, Frank y April Wheeler, un matrimonio joven, padres de dos niños pequeños, que tienen una vida aparentemente perfecta y que son la envidia de cualquier vecino. Pero la realidad es bien diferente ya que ellos son un par de fracasados puesto que no han podido hacer realidad los sueños que tuvieron al inicio de su relación, ya que el paso del tiempo y las responsabilidades familiares lo impedí­an, y aunque haya intención de convertir esos sueños en realidad ya no hay ilusión.
Se rodó entre mayo y agosto de 2007 principalmente en los barrios de Connecticut a los que la novela de Yates está tan estrechamente asociada. Una exhaustiva búsqueda en la zona de Darien dio como resultado el hallazgo final: dos casas, una detrás de otra, que representaban los escenarios perfectos para las viviendas de los Wheeler y los Campbell y que tenían un estilo arquitectónico de los años 50.
Para el reparto, Mendes optó por su entonces pareja, Kate Winslet (Juegos Secretos) y Leonardo DiCaprio (Red de Mentiras). Era el primer encuentro entre ambos desde que protagonizaran Titanic. Junto a ellos Kathy Bates (Misery), Michael Shannon (Loving) y David Harbour (Brokeback Mountain). 
Kate Winslet obtuvo el Globo de Oro a la mejor actriz de drama y la película fue nominada a los Oscars y a los premios BAFTA del cine europeo.
Cruda y fascinante, esta película habla de cualquiera, o al menos, de cualquiera que tenga sueños olvidados que reprocharse.


jueves, 14 de junio de 2018

Series (El cine en pulgadas) 

En Safe (2018) nos vamos hasta una urbanización de lujo vallada en Inglaterra, una comunidad en la que viven familias de clase alta y a la que sólo se puede entrar a través de la garita de un guarda de seguridad. Allí encontramos al principal protagonista de la historia, Tom un cirujano viudo con dos hijas. La mayor, ya adolescente, no le termina de perdonar que no estuviera al lado de su madre enferma cuando ésta murió, y también es posible que sospeche que su padre está liado con Sophie, otra vecina.
Una noche, la hija se va a una fiesta y nunca regresa a casa, y su búsqueda empieza a exponer todos los trapos sucios que ocultan los habitantes de la comunidad.
Ése es el motor de la historia. Todos los personajes tienen secretos que, por mucho que intenten ocultar, acaban saliendo a la luz. La tensión entre el esfuerzo por guardarlos y la necesidad de que salgan a la luz es lo que va impulsando la trama. Al menos, es la sensación que dan los primeros episodios de la temporada, que constará de ocho.
La ficción es una producción original de Netflix que está protagonizada por Michael C. Hall (Dexter) y Amanda Abbington (Sherlock). La serie dramática ha sido creada por el famoso escritor Harlan Coben, escrita por  Danny Brocklehurst (Shameless) y dirigida por Julia Ford, Daniel O´Hara y Daniel Nettheim. Como productores participan junto al propio Hall y Brocklehurst, Nicola Shindler y Richard Fee
Llegar al fondo de esta enrevesada historia es sólo la mitad de la diversión. Descubrir por qué están todos tan cautos, y dónde están enterrados todos los cuerpos (figurativa y literalmente) es lo que hace que esta serie sea una potencial candidata a engancharnos. 


lunes, 11 de junio de 2018

Canciones (La esencia de la música) 

Have You Ever Seen the Rain es una canción escrita por John Fogerty incluida en el álbum Pendulum del año 1970, de la banda norteamericana de rock Creedence Clearwater Revival.
La canción alcanzó el puesto nº 8 en la lista de la Billboard Hot 100 en 1971 cuando fue lanzada como single. Muchos dicen que la letra de esta canción se refiere a la guerra de Vietnam, y que habla de la "lluvia" como una metáfora de las bombas que caen del cielo.
En un reportaje sobre esta canción hecha por la pagina web de Allmusic, Mark Deming sugiere que la canción es acerca del idealismo de la década de los sesenta desapareciendo a raíz de eventos como el Concierto Libre de Altamon y de la Kent State, y que el discurso que canta Fogerty se refiere a que los mismos temas de los años 60 todavía existían en los setenta, pero que la gente ya no lucha contra ellos.
Sin embargo, Fogerty ha dicho en diversas entrevistas que la canción es acerca del aumento de la tensión dentro de la banda y la inminente partida de su hermano Tom de la agrupacion por problemas de contratos y participación dentro de las canciones.
John Fogerty relanzó una versión en vivo de la canción en The Long Road Home - In Concert DVD que fue grabado en el Teatro Wiltern en Los Angeles, California el 15 de septiembre de 2005.
Esta canción ha sido interpretada entre otros artistas por Joey Ramone, Rod Stewart, Joan Jett, REM. Spin Doctors y la banda española Heroes del Sliencio



miércoles, 6 de junio de 2018

Películas (Una mirada diferente al cine) 
 
Jack, un niño de cinco años, vive junto con su madre en una habitación de poco más de 3x3 metros. Ella lleva allí encerrada, a la fuerza, desde hace siete años, por lo que para Jack el mundo entero, todo lo que conoce, está encapsulado en esa habitación. Asimismo, para la madre, lo único que importa en el mundo es su hijo, por lo que se esfuerza con fervor para intentar que Jack lleve una vida lo más normal posible, dentro de esas cuatro paredes. Pero la curiosidad de Jack por conocer más, fruto de su edad, crece y crece, a la par que la inquietud de su madre.
La Habitación (2015) es una adaptación del libro Room de Emma Donoghue está dirigida por el irlandés Lenny Abrahamson (Frank, Garage) y protagonizada por Brie Larson (Y de repente tú, Don Jon, Scott Pilgrim contra el mundo). Completan el reparto Sean Bridgers (Trumbo, Lo mejor de mí), Joan Allen (Un buen matrimonio, El legado de Bourne), William H. Macy (El atraco, Inland Empire, Shameless), Joe Pingue (Maps to the Stars, Pacific Rim) y el niño Jacob Tremblay (Before I Wake).
La protagonísta de la cinta, Brie Larson, obtuvo el Óscar a la mejor actriz, además del Globo de Oro y el Premio Bafta. La película fue galardonada en el Festival de Toronto, en los British Independent Film Awards y en los Canadian Screen Awards.
Puede que esta película no sea un lugar agradable en el que pasar un par de horas, pero es una perturbadora experiencia que no se olvida facilmente. 


lunes, 4 de junio de 2018

Discos (Del vinilo al CD) 

The Wall (1979) el undécimo álbum lanzado por Pink Floyd supone también la culminación del ascenso de Roger Waters al dominio creativo total sobre la banda. Lejos de verse sobrepasado por esta responsabilidad, el bajista dio rienda suelta a su megalomanía con la concepción de esta ópera rock estructurada en un álbum doble que pretendía convertirse en lo más grande que habían creado hasta entonces.
La situación de la banda ya empezaba a ser muy tensa en la gira que siguió al lanzamiento de Animals, y la fractura no hizo más que agrandarse con la concepción de The Wall, que irónicamente sirvió para levantar un muro entre los miembros de la banda. La posición autoritaria y dominante de Roger Waters en el grupo se hizo más fuerte que nunca en los últimos años de la década de los 70, una situación que se hizo muy difícil de digerir por los demás miembros de la banda.
Waters fue quien a mediados del 77 llevó a sus compañeros la idea germinal de este disco, en forma de una demo de 90 minutos titulada Bricks in the Wall. Sobre este concepto inicial comenzaron a trabajar junto a Bob Ezrin, quien se encargó de escribir un guión para el ambicioso proyecto.
El concepto inicial de The Wall tenía un fuerte contenido autobiográfico en torno a la figura de Waters, quien reflejaba gran parte de su infancia y de las situaciones más traumáticas de su vida, como la muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial (In the Flesh?). En el planteamiento final, Pink surgía como protagonista central y aglutinaba no sólo los traumas y problemas de Waters, es decir sus ladrillos en el muro, sino también los del inolvidable Syd Barrett, cuya alargada sombra aún seguía cubriendo al grupo. La sobreprotección de su madre (Mother), la tiránica influencia de sus profesores (Another Brick in the Wall Part 2), las primeras experiencias con las drogas (Comfortably Numb) y otras situaciones que se narran a lo largo del álbum se van convirtiendo en los ladrillos del muro que irán aislando a Pink dentro de su propio mundo (Nobody Home).
Convertido en una estrella del rock, nuestro protagonista terminará por encerrarse completamente dentro de un mundo de locura (Is There Anybody Out There?), llegando a verse a sí mismo en pleno concierto como un dictador fascista que dirige a sus leales súbditos (Run Like Hell). Este imposible contraste entre la megalomanía y la soledad conducirá al cantante a una situación de crisis absoluta (Waiting for the Worms) y a su liberación que echará abajo el muro (The Trial), poniendo fin a su sufrimiento y cerrando el círculo del disco al terminar tal y como empezó.
El álbum fue un inmenso éxito comercial, llegando al número uno en numerosos países y convirtiéndose en uno de los discos más vendidos de la década, el álbum doble más vendido en la historia y uno de los más vendidos de todos los tiempos, con un total de 33 millones de copias vendidas a nivel mundial, de las cuales 11.5 millones de copias fueron vendidas solo en los Estados Unidos, en donde debido a su naturaleza como un álbum doble, está certificado como veintitrés veces disco de platino. 

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jueves, 31 de mayo de 2018

Películas (Una mirada diferente al cine)

Bajo la estatua de Buda, aún viven miles de familias. Baktay, una niña afgana de seis años, es incitada a ir a la escuela por el hijo de sus vecinos que lee los alfabetos frente a su cueva. De camino a la escuela, es acosada por unos niños que juegan de forma cruel reflejando la sociedad tan violenta que los envuelve. Los niños pretenden lapidar a Baktay, o destruirla como el Buda o disparar contra ella como hicieron los americanos en el laberinto de cuevas. ¿Será capaz Baktay de superar estos obstáculos para poder aprender los alfabetos en su lengua materna?.  
Buda explotó por vergüenza (2007) es una cooproducción Franco-Iraní, dirigida por la joven directora iraní de 18 años Hana Makhmalbaf y que fué galardonada con el premio especial del jurado en el Festival de San Sebastian del 2007.
Para elegir a los protagonistas, la directora visitó escuelas en Bamian y sus alrededores, donde vio a miles de niños y realizó pruebas a cientos de ellos hasta que encontró a los que le parecieron más adecuados para la historia. La mayor parte del largometraje fue rodado en Bamian, en Afganistan, bajos los restos de las estatuas de Buda que fueron destruídas por los Talibanes en 2001.
Buda explotó por vergüenza pretende mostrar sin trucos efectistas ni relatos conmovedores la verdadera situación de los niños afganos como hijos de la guerra, de la ocupación estadounidense que han visto desaparecer sus casas, a hombres cargados de fusiles y a sus dioses explotar por vergüenza como símbolo de la pérdida de la cultura heredada. En medio de esto, el interés de una niña inocente por aprender a leer y a escribir en una sociedad que sólo promociona la educación de los hombres. Un relato veraz y poderosamente sincero de los efectos psicológicos de la guerra en los niños y de la inmovilidad de una sociedad que aísla y anula a la mujer.